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McDonald's criticado por pedirle a una banda independiente que reproduzca SXSW gratis

McDonald's criticado por pedirle a una banda independiente que reproduzca SXSW gratis

Los fanáticos de la música están en armas después de que el dúo independiente Ex Cops les dijera a los fanáticos que la semana pasada McDonald's les había pedido que actuaran en el festival South By Southwest en Austin, Texas y quería compensarlos solo con comida.

Amalie Braun y Brian Harding, del dúo con sede en Brooklyn, pueden no ser nombres conocidos, pero han firmado con un sello pequeño y tienen el éxito suficiente como para ganarse la vida actuando, informa. Business Insider.

Tras recibir la oferta de la cadena de hamburguesas, un ofendido Harding usó Facebook para expresar por qué estaba tan molesto. Como un punto de venta para tomar el concierto, Harding explicó que McDonald's dijo que la actuación será "una gran oportunidad para una exposición adicional" y que la cadena "tendrá su equipo digital global en el sitio para reunirse con las bandas, ayudar con la promoción cruzada, etc. "

Harding afirmó que dudaba de lo que realmente significaba esta oscura jerga, y sugirió que la cadena probablemente tampoco tiene poca idea.

“Superando esa retórica, al menos una gran corporación como McDonald's puede al menos pagar un poco su talento. ¿Verdad? ... Es una realidad horrible y grosera cuando uno ve la verdadera naturaleza de las corporaciones y sus patéticos intentos de lograr relevancia con los millennials ", escribió Harding.

La publicación original de Harding ha recibido más de 10,000 me gusta y más de 700 comentarios desde que se publicó. La mayoría de los fanáticos se hacen eco de los sentimientos del músico y critican a la cadena de hamburguesas por ser "ridícula" y "barata".

McDonald's, que actualmente tiene un valor de alrededor de $ 97 mil millones, respondió a Harding, en defensa de su oferta inicial.

“Seguimos el mismo protocolo estándar que otras marcas y patrocinadores al invitar a músicos talentosos y emergentes a unirse a nosotros en el Festival SXSW. Esperamos poder servir comida, bebidas y diversión de McDonald's en Austin. #slownewsday "

Pero Bruun le dijo a Rolling Stone que el hecho de que no ofrecieran pago por la actuación simplemente "no es cierto".

"No están siguiendo ninguna pauta porque todos los demás están ofreciendo dinero", dijo Bruun a la revista de música. "Tendrán que abordar eso con South by Southwest si creen que están siguiendo las pautas ... Otras corporaciones mucho más pequeñas nos están ofreciendo dinero".

Los Ex Cops tienen programadas varias presentaciones en Austin, incluida una patrocinada por compañías más pequeñas como Pandora, que le está pagando a la banda por su tiempo.

McDonald's puede estar tratando de llegar a más jóvenes mejorando su presencia en el festival de música popular, tecnología y cultura, pero hasta ahora parece estar alienando a muchas personas en la esfera de las redes sociales después de que se hizo pública la noticia de su oferta gratuita a los ex policías.

En diciembre, el director digital de McDonald's emitió un comunicado anunciando el próximo patrocinio de la cadena en SXSW. Dijo que el objetivo era "mejorar la experiencia de SXSW para todos" con nuevas funciones en su salón McDonald's.

Este artículo fue publicado originalmente por Fox News.

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Pájaros enojados

Pájaros enojados es una franquicia de medios finlandesa basada en la acción creada por la empresa finlandesa Rovio Entertainment. La serie se centra en los pájaros enojados que intentan salvar sus huevos de los cerdos de color verde, sus enemigos. Inspirado por el juego Aplastar el castillo, [1] el juego ha sido elogiado por su exitosa combinación de juego divertido, estilo cómico y bajo precio. Su popularidad llevó a muchas versiones derivadas de Pájaros enojados creado para PC y consolas de videojuegos, un mercado de mercancías con sus personajes, Dibujos De Angry Birds, una serie animada televisada y dos películas La película de Angry Birds y su secuela La película de Angry Birds 2. En enero de 2014, se habían realizado más de 2 mil millones de descargas en todas las plataformas, incluidas las ediciones regular y especial. [2] [3]

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  • Angry Birds Go! (2013)
  • Angry Birds Epic (2014) †
  • Transformadores de Angry Birds (2014) *
  • ¡Lucha de Angry Birds! (2015) †
  • Angry Birds 2 (2015)
  • ¡Acción de Angry Birds! (2016) †
  • Explosión de pájaros enojados (2016)
  • Evolución de Angry Birds (2017)
  • Partido de Angry Birds (2017)
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  • Angry Birds Dream Blast (2019)
  • Angry Birds VR: Isla de Cochinos (2019)
  • Cerditos malos (2012)
  • Angry Birds Stella (2014) †
  • Angry Birds POP! (2014)
  • Campeones de Angry Birds (2018) †
  • Explosión POP de Angry Birds (2019)
  • Angry Birds Explore (2019)
  • "Angry Birds Rio Samba Tune "
  • "El espacio de las aves enfadadas Tema (con barra inclinada) "
  • "Cerditos malos Halloween Tune (con Major Lazer) "
  • "Canción temática de Angry Birds"
  • "Pájaros enojados Tema (ClubBangerZ Angry Mix) "
  • Vuokatti (Finlandia)
  • Holiday Club (Finlandia, España)
  • Ciudad de Haining (China)
  • Parque de actividades (Malasia)

En julio de 2015, los juegos de la serie se habían descargado más de 3 mil millones de veces en conjunto, [4] lo que la convierte en la serie de juegos freemium más descargada de todos los tiempos. El original Pájaros enojados ha sido llamado "Uno de los juegos más populares en este momento", [5] "Uno de los grandes éxitos desbocados de 2010", [6] y "El mayor éxito de aplicaciones móviles que el mundo ha visto hasta ahora". [7] La ​​primera secuela de un videojuego de la serie principal, Angry Birds 2, fue puesto en libertad el 30 de julio de 2015.

El primer juego de la serie se lanzó inicialmente el 31 de diciembre de 2009 para iOS. [8] En ese momento, la epidemia de gripe porcina estaba en las noticias, por lo que el personal decidió utilizar a los cerdos como enemigos de los pájaros enojados. [9] La compañía lanzó puertos del juego a otros sistemas operativos de teléfonos inteligentes con pantalla táctil, incluido Android. A principios de 2019, todos los restantes Pájaros enojados juegos lanzados antes de octubre de 2014 (con la excepción de Amigos) fueron descontinuados y eliminados de las tiendas de aplicaciones, aunque Cerditos malos se agregó a principios de 2020. Rovio se ha negado a explicar su razonamiento detrás de la decisión, aparte de un breve tweet y una respuesta de apoyo, ambos con respuestas diferentes. [10]


Cómo conseguir un concierto en un festival de música

Desde Bonaroo hasta High Sierra y el Warped Tour, parece que están apareciendo cada vez más festivales de música en todo el mundo. Pero para los artistas emergentes, conseguir un puesto en un festival, incluso como banda de apertura, puede parecer fuera de su alcance, un objetivo para "más adelante" en su carrera.

Para averiguar qué tan factible es intentar conseguir un lugar en el escenario de un festival, hablamos con un talentoso booker del festival Noise Pop de 18 años de San Francisco y con una banda local de SF, Geographer, que consiguió su primer gran salto en el año pasado & # 8217s Noise Pop. El geógrafo usó eso para generar visibilidad, ayudar a conseguir una gira nacional con un acto establecido y continuar ganando seguidores. También regresaron al Noise Pop de este año, pero como cabeza de cartel en lugar de como acto de apoyo.

Noise Pop es un festival de música muy respetado (y muy concurrido), que se centra exclusivamente en todo lo indie: música, arte y cultura. Noise Pop se lleva a cabo cada febrero en San Francisco, con fanáticos que viajan de todo el mundo para asistir, atraídos por su mezcla ecléctica de música y cultura, sin mencionar los lugares íntimos de San Francisco que albergan los espectáculos de la semana.

Actos conocidos como The Shins, Modest Mouse, The White Stripes y Death Cab for Cutie, obtuvieron impulsos en su carrera en Noise Pop en años anteriores. El cartel de febrero de 2011 continuó con la tradición de todo lo independiente con actuaciones de los titulares de Best Coast, Yo La Tengo, Ted Leo y un solo de Ben Gibbard de Death Cab.

La perspectiva del Talent Booker
El reserva de talentos Dan Strachota está en el equipo responsable de contratar artistas emergentes en Noise Pop. Para atraer la atención de los programadores de festivales, Dan dice que la clave es diferenciarse del resto de las bandas independientes de su zona. "Trate de destacarse del resto de alguna manera, ya sea en su estilo de actuación, mediante el uso de disfraces, su estilo musical, con espectáculos gratuitos o incluso su estilo de marketing".

Como ejemplo, Dan mencionó a Chow Nasty, una banda de San Francisco que “volaba como loca cada vez que tenían un concierto próximo. Combinaron su nombre único con una fuente distintiva y después de seis meses de ver sus folletos en todas partes, pensé: 'Está bien, ¿qué es esta banda, quiénes son?' Habían generado suficiente interés a través de la repetición como para querer verlos. . "

Para cualquier banda local prometedora, conseguir un puesto como cabeza de cartel en un festival puede ser bastante imposible, por lo que el mejor de los casos es conseguir un concierto de apoyo para una banda más establecida. Cuando busca posibles teloneros, Dan dice que “prefiere bandas que aporten un elemento de diversión a su música. Es bueno tener bandas llenas de energía que le darán un toque de fiesta al espectáculo de esa noche ".

Cuando se le preguntó si hay un consejo que le ofrecería a un artista que intenta conseguir un concierto en un festival, Dan dijo que no hay una solución mágica para lograr ese objetivo. En cambio, las bandas solo tienen que hacer el trabajo arduo requerido: tener presencia en la web, tocar en muchos programas y trabajar sin descanso todos los días para crear seguidores. “Una de las cosas más importantes que busco es que la banda trabaje duro, promuevan sus propios conciertos y traten de atraer a más gente cada vez que no se sientan y esperan. Quiero ver bandas que estén activamente involucradas e invertidas en sus carreras musicales ".

Consejos de una (ahora) veterana banda del festival
El trío Geographer, con sede en San Francisco, personifica muchos de los atributos que describe Dan. El trío de indie pop de influencia electro está compuesto por el vocalista / instrumentista Mike Deni, el violonchelista Nathan Blaz y el baterista Brian Ostreicher. El grupo ha trabajado duro los últimos años para tocar en la mayor cantidad de conciertos posible en el área de SF y, al hacerlo, llamó la atención del equipo de reservas de Noise Pop. Su arduo trabajo y su creciente base de admiradores ayudaron a conseguir a Geographer un codiciado lugar de apertura para el festival 2010 en apoyo de Atlas Sound en el histórico Great American Music Hall. Entonces, ¿cómo consiguieron este gran concierto en un festival?

Primero, dice Deni, pasaron mucho tiempo conociendo a todos los involucrados en la escena musical local. Suena obvio, pero muchos músicos pasan mucho tiempo escondidos escribiendo, ensayando y grabando su música. Según Deni, vale la pena salir y charlar con tus compañeros. Conocer a otras bandas, managers, agentes de contratación y propietarios de clubes ayudó a Geographer a convertirse en parte del tejido de la escena musical de San Francisco.

Esto lleva a compartir facturas con otras bandas notables y también puede dar lugar a colaboraciones musicales o incluso a asociarse en una mini gira conjunta. Deni dijo que trabajarían & # 8220 desesperadamente para convencer a una banda más avanzada que nosotros de encabezar un espectáculo para que luego pudiéramos conseguir un agente de reserva detrás del proyecto de ley ". La recompensa de Geographer sería entonces como la banda de apoyo para abrir el espectáculo. Sugirió hacer esto repetidamente “hasta que lo hayan visto suficientes personas en su ciudad natal, de modo que eventualmente pueda ascender y apoyar los actos de gira nacional” que atraviesan su ciudad con sus audiencias correspondientemente más grandes.

Otra clave fueron los esfuerzos dedicados de Geographer para mantenerse al día con la autopromoción. "La promoción no fue algo natural para nosotros", admite Deni # 8221. & # 8220 Pasar más tiempo enviando correos electrónicos que escribiendo música puede ser desmoralizador. Pero los beneficios valieron la pena. Trabajamos duro en la promoción, y ahora que tenemos la gestión, podemos canalizar toda esa energía en nuestra música ".

El papel de los medios de comunicación y kits de prensa n. ° 038
Es probable que atraiga la atención de la prensa, que incluye a todos, desde el editor de entretenimiento de su periódico local hasta los blogueros de música, una vez que haya logrado un seguimiento local y esté presentando programas más grandes. Sin embargo, hay un trabajo importante que puede realizar cualquier banda de conciertos en este momento. Dan aconseja que una vez que consigas algunos programas, “Trabaja duro para que la gente vaya a esos programas. Invite a personas que puedan ayudarlo, como prensa, compradores de talentos y estaciones de radio locales. Trate cada programa como especial ". Envíe blogs de música local e invitaciones a editores de entretenimiento a sus conciertos, mantenga las invitaciones breves e interesantes, y apunte solo a los medios que tienden a cubrir su estilo o género de música.

También necesitará un kit de prensa sólido. En estos días, la mayoría de las bandas dependen en gran medida de Electronic Press Kits (o EPK) como se puede encontrar en Sonicbids, un sitio web que reúne a artistas con promotores / agentes. Los agentes pueden acceder a los EPK de artistas enviados para varios eventos y festivales. De hecho, Sonicbids es el método exclusivo que utiliza Noise Pop para filtrar y aceptar bandas.

¿Qué incluye un EPK eficaz? Asegúrese de incluir una biografía de la banda bien escrita y concisa, al menos tres canciones, buenas fotos (fotos en vivo y & # 8220press & # 8221 si es posible), recortes de prensa (si los tiene), fechas de próximos shows, requisitos técnicos de la banda, videos de rendimiento e información de contacto completa. El equipo de Noise Pop ofreció cuatro consejos clave más con respecto a su EPK:

1. El formato de todo el texto debe ser simple; manténgalo fácil de leer.
2. Pon tu mejor canción primero y asegúrate de que tenga una introducción interesante porque esto puede ser todo lo que el booker oiga antes de decidir seguir adelante.
3. Juegue con sus puntos fuertes. Por ejemplo, si es más conocido por sus poderosos shows en vivo, asegúrese de incluir un videoclip de la actuación y muchas fotos en vivo de su banda en lugares llenos.
4. Asegúrese de que todos sus enlaces estén activos y que todas las canciones, videos y fotos se carguen al hacer clic. ¡Es frustrante y un potencial asesino de acuerdos cuando un booker interesado en tu banda descubre que no se puede acceder fácilmente a los elementos de tu kit de prensa!

Aplicar a festivales
El primer paso antes de postularse a un festival es averiguar qué festivales presentan el tipo de música que interpretas. Tómese el tiempo para investigar realmente qué tipo de festivales le han dado a los artistas de su género su primera oportunidad. (Hay un enlace a una lista extensa de festivales de música de EE. UU. Al final de esta historia).

Muchos festivales, incluido Noise Pop, favorecen a las bandas y artistas locales, al menos para los espacios de apoyo, así que comience en su propia región. Comuníquese con músicos que conoce, gerentes, agentes de reservas locales y utilice Internet para investigar qué oportunidades parecen ser las más adecuadas. Una vez que reduzca la lista a las mejores opciones, observe de cerca el sitio web del festival para ver cómo aceptan las presentaciones y, lo que es más importante, cuál es su fecha límite: la mayoría tiene fechas límite de presentación al menos uno o dos meses antes de que se lleve a cabo el festival.

Una vez que esté listo, dé el paso y solicite. Es vital que se encargue de adaptar cada presentación al festival específico. Escribe una carta de presentación / correo electrónico breve y atractivo que demuestre que sabes a quién se dirige el festival y, si es posible, da un ejemplo de un concierto reciente que demuestre tu idoneidad para el público objetivo del festival.

Si no lo seleccionan, no se desanime. La mayoría de los festivales reciben cientos de presentaciones por solo un puñado de espacios de apertura. Si no estabas entre los cinco primeros, no significa & # 8217 que a los reservadores & # 8217 no les gustó tu música. Manténgase en contacto durante el próximo año y solicite estar informado de las próximas oportunidades. Los festivales a menudo patrocinan otros eventos, como proyecciones de películas, beneficios y otras actividades durante todo el año, por lo que nunca se sabe cuándo pueden necesitar un artista prometedor para llenar un lugar con poca antelación.

Mike Deni de Geographer concluye la historia con lo que sucedió después del éxito de tocar como acto de apoyo en Noise Pop '10. “La gente realmente empezó a venir a nuestros shows. Poco después, nos invitaron a hacer una gira por la costa este, y un poco más tarde nos contrataron como apoyo en nuestra primera gira nacional con Stars, que fue un gran salto para nosotros ".

Para cuando Dan y su equipo estaban preparando el Noise Pop 2011, el impulso que Geographer había estado construyendo desde su avance en el festival del año anterior llevó a que se les ofreciera un lugar como cabeza de cartel en el legendario club de San Francisco, The Independent. Ese espectáculo con entradas agotadas es una prueba de la continua trayectoria ascendente de Geographer, que demuestra que el talento, la equidad de sudor y conseguir un concierto en un festival puede ser un camino hacia el éxito para un acto independiente.

Casey Newlin es miembro del equipo que produce dos festivales de rock independiente con sede en San Francisco, Noise Pop y Treasure Island Music Festival. Keith Hatschek es un colaborador habitual de Echoes y dirige el programa de Gestión Musical de la Universidad del Pacífico.Fueron coautores de una historia de Echoes de septiembre de 2010 sobre Online Music Collaboration.


Picos y durmientes SXSW

TINTOR ROJO # 4, EL DESAPROPIADO, LOS SNOBS, CUADRAGÉSIMO SEGUNDO ESCÁNDALO: Durante los próximos años, busque a los adolescentes en estas bandas locales para comenzar a ocupar espacios en los titulares y llamar la atención de la prensa. Demasiado jóvenes para beber, sus corazones palpitan con la lujuria similar a la de los Ramones y hacen referencia a leyendas de Austin como los Big Boys y Butthole Surfers. Red Dye # 4 y los Snobs ya son veteranos en la escena, este último abrió los Austin Music Awards de este año. Como solía decir el graffiti de pintura en aerosol: el futuro es ahora. (Barco de vapor, mediodía-4:00 p. M.) - Margaret Moser

DESARROLLO DEL LAGO DE LA CIUDAD: Ahora está mejor. Claro, SXSW desearía tener a Patti Smith aquí, pero el pisotón de bluegrass Labio partido Rayfield, majestuosa roca de cámara de Alejandro Escovedo, estruendoso lanzamiento de zydeco de Geno Delafose, raíces de wildman hoedown de Austin Calabazas, y las raíces del país de Bandera rudo Charlie Robison es lo que debería ser un atardecer de sábado en Town Lake. No es el Riverfest de los Fab T-Birds de los años ochenta, pero este tipo de proyecto de ley es el Riverfest del futuro. (Escenario Town Lake, 5-8pm) -- Raoul Hernandez

Anguilas: Puede que te hayas perdido los 2000 Oh, qué hermosa mañana, una colección de material vivo de las anguilas Margaritas de la galaxia gira, además de cortes de la gira en solitario del líder E con Fiona Apple. Dos años después, estos favoritos de la universidad están de vuelta en modo Beckian con el alma holgazana del nuevo Souljacker (DreamWorks), repleto de actuaciones invitadas de gente como Koool G Murder y John Parish. (La Zona Rosa, 7pm) - Melanie Haupt

PROFETA CHUCK: Reverenciado por muchos como guitarrista y compositor, el debut de Chuck Prophet en New West, No otro amor, vence en abril. Con su sexto álbum en solitario, Prophet continúa derritiendo el molde del cantautor, entregando un ciclo de canciones de 11 pistas que dice es "sobre monos bailarines, criminales fracasados ​​y las tormentas que se producen entre temporadas". (Mercurio, 8 p.m.) - Jim Caligiuri

LOS TUBOS DE CRACK: El reverendo correcto Ray Pride y sus poderosos Crack Pipes expandieron su ministerio garage-punk de rayones de gallina con 2001's Cada noche el sábado por la noche (Simpatía por la industria discográfica). El cuarteto con sede en Austin ha perfeccionado considerablemente su esencia evangélica desde su humilde fundación a mediados de los noventa para convertirse en uno de los principales proveedores de skronk burlón de la ciudad. (Beerland, 8 p.m.) - Greg Beets

LOS SENTIMIENTOS DUROS: Todo el asunto del blues / punk puede volverse descuidado a veces, especialmente cuando el whisky fluye. No es así con los Hard Feelings de Austin. Su debut homónimo en Sympathy for the Record Industry presenta un montón de guitarras diapositivas punzantes, una sección rítmica que conduce como un taxista decidido y un montón de blues gritando. (Beerland, 9:00 p. M.) - Jerry Renshaw

EL NÚCLEO DE LA FANTASÍA: Fantasy's Core de Nagasaki es una compañía estrafalaria que cambia entre punk, blues, metal y soul. El set SXSW de 2001 del quinteto sorprendió a varios con las payasadas de Mao Karisu, un vocalista rabiosamente carismático que fingió hara-kiri con un sable de luz de juguete, hizo flexiones con un solo brazo al estilo de Jack Palance y cantó una oda a Pachinko. (Elysium, 20:00 h) - Greg Beets

LAS ARAÑAS: Fuera de San Marcos, los Spiders ofrecen lamidos punk metal y una actitud glamorosa como si nunca pasaran de moda. El cuarteto una vez cubrió el lado uno de M & # 246tley Cr & # 252e's Demasiado rápido para amar en su totalidad, lo que debería darle una buena idea de su intención. Las Arañas están trabajando actualmente en la continuación de su contundente debut en 2000, El sexo es más espeso que el agua (Unscene) para Acetate Records. (The Red Room, 8 p.m.) - Greg Beets

SONIDO Y VISIÓN SXSWRykodisc y David Bowie no consiguieron nada sobre la institución de Austin de las películas mudas compuestas y acompañadas en vivo por bandas locales. Alternativa banda clásica de jazz indie rock Trío de brazos dorados fue pionero en la forma junto con los arrancadores de serie ST 37, y esta doble función especial de SXSW presenta la tristemente irregular banda sonora original de la obra maestra de F.W. Murnau de 1926 Fausto, y la explosión de propulsión nuclear de este último en Fritz Lang Metrópoli, también del '26. Damas de cuerda de David Byrne, Austin's Cuarteto de cuerda Tosca, cierra la velada. Esto es Austin en su mejor y más original. (Scottish Rite Theatre, 8 pm-medianoche) - Raoul Hernandez

BRUCE ROBISON: Con la versión que encabeza las listas de éxitos de Tim McGraw de su "Angry All the Time" y cortes en las obras de Lee Ann Womack, Allison Moorer y las Dixie Chicks, Bruce Robison representa un tramo de 6 pies y 7 pulgadas de Music Row a la derecha. aquí en Austin. También hace excelentes álbumes propios, el año pasado. Country Sunshine siendo una colección de melodías nítidas y narrativas vívidas. (Austin Music Hall, 9:00 p. M.) - Andy Langer

BANDA CORNELL HURD: Uno de los mejores conjuntos de swing honky-tonk / western en Texas, la Cornell Hurd Band acaba de lanzar otro extenso, 23 songer titulado Canción del sur de Austin en su propia etiqueta Behemoth. Con los giros invitados de Johnny Bush y Marti Brom, también destaca el trabajo del maestro del acero Herb Steiner y la voz del bajista Justin Trevino. (Broken Spoke, 9:00 p. M.) - Jim Caligiuri

JANNE HAAVISTO Y LOS FARANGS: Los productores suelen tener más oídos que talento. No es así con la maga de estudio finlandesa Janne Haavisto, miembro fundador de los incondicionales instrumentales Laika & the Cosmonauts. El detallado mundo auditivo de Haavisto se basa en las bandas sonoras de Bollywood, instrumentos electrónicos, garage pop, folk internacional y dub, como se escucha en sus dos álbumes de Texicalli. (The Drink el 6, 9pm) - David Lynch

MARY LOU SEÑOR: Lord no es el cantante de familia de tu madre. Tras su debut en 1998 en un sello discográfico importante, No tengo sombra (Sony), se tomó un descanso para concentrarse en su familia. El año pasado, hizo un cover de "Speeding Motorcycle" de Daniel Johnston para un anuncio de Target, que se incluyó en el conjunto de portadas de este invierno, Sonidos de la ciudad en vivo en la rúbrica. (Sala de empanadas, 21:00 h) - Dan Oko

NATHAN HAMILTONNathan Hamilton, un nativo de Abilene que ahora llama hogar a Austin, acaba de lanzar uno de los mejores álbumes de Texas este año, Todo por amor y salario. los Austin Chronicle Elogió que "arde con un fuego raro y es muy recomendable para aquellos que buscan una porción saludable del nuevo rock de raíces estadounidenses". (Hard Rock Café, 21:00 h) - Jim Caligiuri

CHICOS DESGASTADOS: Sombreros de vaquero, barbas, chalecos, una Telecaster y un contrabajo. Eso podría significar una banda que tiene un sentido demasiado agudo de la ironía, pero no los Weary Boys de Austin. La suya es una marca de country auténtico de bluegrass eléctrico que podría pasar en un club punk, honky-tonk o penitenciaría estatal (y lo ha hecho, en absoluto). Su debut indie está a la altura de las expectativas. (Continental Club, 21:00 h) - Jerry Renshaw

LOS PURADORES DE CARNE: Pateando cualquier tortuga astillada como un taburete sobre tu cabeza, los proveedores de carne de Austin están de vuelta con su segundo mosher de corral inyectado en sangre, Todos Las relaciones están condenadas al fracaso, completo con cubiertas abatibles de ABBA y Ratt. Su agitado bluegrass no tiene un sucesor real, porque ¿quién podría igualar la actitud de adrenalina y actitud de este cuarteto en el escenario? (Madre Egan's, 9 p.m.) - Christopher Hess

EL GRASSY KNOLL: Bob Green es un habitante de S.F., pero son los heebie-jeebies de la teoría de la conspiración de su ciudad natal de Dallas / Ft. Vale la pena que le dé su inspiración. Dejado por Verve / Antilles después de la obra maestra de electrofusión claustrofóbica de 1998 III, SXSW anuncia el regreso del país de las maravillas del jazz 'n' paste de Green de líneas de bajo funky .007 y bucles de ruido blanco muestreados. (Le Privilege, 21:00 h) - Michael Chamy

RADIO 4: Los elementos de Primal Scream son difíciles de pasar por alto aquí, pero tal vez el Fivepiece de la ciudad de Nueva York sea simplemente la reproducción de Gang of Four en la televisión de los Strokes. Es una mezcla loca de una especie de proto-New Wave con los momentos más disonantes del "I'm the Man" de Joe Jackson, al estilo post punk, acelerado y vuelto del revés. (Salón de rehabilitación, 9:00 p. M.) - Michael Bertin

HARVEY SID FISHER: El indiscutible rey de la música del zodíaco regresa a SXSW respaldado por Hidden Persuaders de Austin. Fisher, un actor de Los Ángeles que hizo pequeños papeles en programas de televisión de los setenta como Emergencia y Kojak, se convirtió en una figura de culto musical con un video de acceso público de 1989 de sus canciones de astrología. (Sala de empanadas, 21:00 h) - Greg Beets

SUR: Más grande que una tostada y dos veces más sabroso, este trío del Reino Unido toca como Stone Roses redux, un trío de guitarra y voz con soul para quemar y un ritmo perezoso que rara vez se convierte en un doloroso trabajo de guitarra. Firmado con el indie británico Mo'Wax, su nuevo De aquí en adelante es el primer disco esencial del año en Reino Unido. (Element, 21:00 h) - Marc Savlov

PREFUSO 73: La réplica de Scott Herren al camino que ha tomado el hip-hop es la creación del "clip-hop". Los MC se utilizan como una capa más de música al dividir las letras en rimas cortadas sin apoyo vocal o silábico, y el resto son ritmos compuestos en gran parte por fragmentos de los discos de jazz anteriores a la fusión de Herren alrededor de 1973. "Te preguntas dónde está el coro, pero yo no hagas esa mierda ". (La Zona Rosa, 22:00 h) - Christopher Coletti

HALOU: El dúo de marido y mujer de SF Ryan y Rebecca Coseboon han logrado capturar el sonido del eros de las 4 am mejor que nadie que hayamos escuchado. Lánguidos y líquidos ritmos burbujean en el fondo como una cálida y acogedora ducha de lluvia, mientras que la voz melosa y aterciopelada de Rebecca rezuma entre líneas de sintetizador esponjosas, violonchelos ahumados y un ritmo ambiental relajante que grita "¡Sexo, por favor!" (Element, 22:00 h) - Marc Savlov

KELLY HOGAN: Si el canto de Kelly Hogan no sonara tan elegantemente sin esfuerzo, todavía sería una diva de otros países simplemente por tener el buen sentido de trabajar con Jody Grind and the Rock * A * Teens. Recientemente, ha estado un poco inyectada en sangre, su segundo LP en el indie de Chicago, Porque se siente bien, mejorando a gente como Randy Newman y los Statler Brothers. (Momo's, 22:00 h) - Michael Bertin

STEPHEN BRUTON: Un compañero de renombre (Bonnie Raitt, Kris Kristofferson) convertido en cantautor, el guitarrista Stephen Bruton lanzó recientemente su último CD, Mundo espiritual, en New West, pero se siente tan cómoda como la directora musical de la actriz ganadora de un Tony, Betty Buckley, en su espectáculo de cabaret. En vivo, es el mejor de ambos. (Mercurio, 22:00 horas) - Margaret Moser

Kelly Willis: Uno de los shows más esperados / atendidos de SXSW O1, la querida country de Austin, Kelly Willis, se ha ganado los corazones de los fanáticos de todos los géneros. Su voz derretirá tu frígido corazón en la industria de la música, y ha desarrollado una batería de canciones que se enfrentan a los mejores. Ella lo agregará en algún momento de este año con un nuevo álbum. (Austin Music Hall, 10 p.m.) - Christopher Hess

TEMPLO DE OWEN: El campo de cantautores de Texas se ha vuelto un poco abarrotado en los últimos años posteriores a Robert Earl Keen, pero Owen Temple se las arregla para destacarse del resto del grupo. Su último disco, Que pasa a través, en Scenework Records, no muestra signos de caída en el segundo año. (Habla rota, 22:00 h) - Jerry Renshaw

BOB LOG IIIEn la villa del desierto de Tucson, Arizona, habita una extraña criatura llamada Bob Log. Ya no es la mitad de Doo Rag, ahora es una banda de un solo hombre, tocando la batería con los pies mientras daña su diapasón con surcos primitivos e hiperactivos que son más lodo de pantano fétido que el lodo sucio de Delta. (Emo's Jr., 10 p.m.) - Michael Chamy

PAUL JONES: Este bluesman de Delta le dijo recientemente a un reportero: "Creo en Dios, pero el diablo, él también tiene poder". Al escuchar el lanzamiento de Jones en 1999, Pucker Up Buttercup (Fat Possum), está claro que este soldador no solo estaba filosofando. El sonido crudo de la guitarra y la voz de Jones, impulsado por un baterista llamado Pickle, te coloca al lado del ring en la eterna lucha entre el Bien y el Mal. (Antone's, 10 p.m.) - Dan Oko

LA SECUENCIA DE HELIO: Este dúo de Portland, Oregon, el vocalista / guitarrista Brandon Summers y el teclista beat Benjamin Weikel documentaron su mensaje en su EP autoeditado de 1999 Cine en cámara lenta acelerada, un debut en 2000 Cavity Search, Com Plexy reciente salida de CS, Eficaces jóvenes. Ese mensaje: haz ruido, inclínate, hazte amapola. (District Bar & Grill, 22:00 h) - David Lynch

ACCIONES FALTAS: Los Actionlacks de Oakland cuentan entre sus favoritos de todo, desde Wilco hasta H & # 252sker D & # 252, y todo se combina en su sonido. La escena's fuera de la vista, su lanzamiento de 200l, los encuentra haciendo lo que mejor saben hacer: cortar guitarras, letras inteligentes, armonías ajustadas y energía de alambre en vivo. (Salón Ritz, 22:00 h) - Jerry Renshaw

WINSLOW: Un engranaje clave en el cuerpo de rockeros cosmonautas de Austin, las melodías pacientes de Winslow revelan una tarifa pop de ensueño suave y temperamental como los otoños y el recordado con cariño Comet de Dallas. Este año no hay Mogwai, por lo que Winslow podría estar entre las estrellas más brillantes del cielo a principios de la temporada de primavera. (Mosca de ojos rojos, 22:00 h) - Michael Chamy

YO SOY EL CENTRO DE COMERCIO MUNDIAL: Después de que la política mundial estropeara las cosas, la CIATM jugó con el nombre abreviado Soy el mundo, pero ahora ha restaurado su apodo por completo. Con poco más que una computadora portátil, el dúo de pop electrónico formado por Amy Dykes y Dan Gellar ha hecho que los sintetizadores sean realmente agradables incluso para aquellos con una aversión natural a los mismos. Track = Canción, su último y seguimiento de su debut Fuera de la lupa, es una colección de covers y remixes. (Buffalo Billiards, 22:00 h) - Michael Bertin

PECADORES ORIGINALES: Esperamos que Exene Cervenka no necesite presentación aquí, pero diablos, la mayoría de ustedes tienen la mitad de nuestra edad, así que: miembro fundador y fuerza guía detrás de las leyendas del roots punk de Los Ángeles X, poeta, autor y todo lo demás que tienen los hipsters indie querido. La marca de Exene en el bricolaje no puede ser exagerada. (Sala Roja, 22:00 h) - Marc Savlov

ORQUESTA DE LAS 1001 NOCHES: Fundado hace más de una década por el lutista persa Kamran Hooshmand, este conjunto acústico de Austin interpreta piezas clásicas y originales de Oriente Medio de origen persa, turco, árabe, afgano, armenio, griego y sefardí. Su debut en Chocolate Records, Zalema, sigue siendo su único lanzamiento, en parte porque una versión ampliada del grupo estaba ocupada creando un excelente acompañamiento en vivo para el clásico del cine mudo. El ladrón de Bagdad. (Pozo de arcilla, 23:00 h) - David Lynch

OJALA: Estos dos músicos del mundo de Austin experimentados, Javier Palacios y Kamran Hooshmand, combinan sus respectivos paisajes sociales latinos y persas en un todo perfecto y elegante. Inspirándose en el intercambio cultural entre el norte de África y la vieja España, su debut homónimo autoeditado fue uno de los mejores locales del año pasado. Escuche la guitarra, el oud, los tambores de mano, los chasquidos de los dedos persas, los silbidos y los aplausos sincopados. (Pozo de arcilla, 23:00 h) - David Lynch

ST 37: En medio de todas las bandas que buscan la fórmula perfecta de tres minutos, este veterano grupo de rock espacial de Austin es una revelación. El pop cósmico de estilo Hawkwind da paso al delicado minimalismo de Spacemen 3 y a todas las formas de caos de texturas intermedias. No es de extrañar que hayan sido invitados a Terrastock 2002 en Boston. (Mosca de ojos rojos, 23:00 h) - Michael Chamy

ALABAMA THUNDERPUSSY: Alabama Thunderpussy de Richmond, Virginia, combina súper riffs de afinación con progresiones de canciones melódicas. En el limbo cuando Man's Ruin se derrumbó, ATP lanza su cuarto LP, Mirando fijamente a lo divino, en los registros de recaídas. El hijo del amor post-punk de Skynyrd y Entombed, ATP toca algo del metal ilegal más delicioso que existe. (Emo's, 11 p.m.) - David Lynch

SIANSFÉRICO: Más suave que el Bardo Pond, este cuarteto de Ontario comparte su habilidad para la distorsión abrasiva, pero la usa para construir un mar envolvente de tranquilidad. Ondas cálidas y estridentes de felicidad sónica, así como texturas sublimes similares a Sigur R & # 242s abundan en su último CD de Sonic Unyon. El sonido del color del sol. (Mosca de ojos rojos, 23:00 h) - Michael Chamy

CENIZA: El mejor de Irlanda del Norte, este punk- y El trío influenciado por el rock de alguna manera se perdió en la mezcla del Britpop alrededor de 1994 cuando llegó su single debut "Jack Names the Planets". Desde entonces, han perfeccionado sus habilidades de crunch-pop hasta convertirlas en un montón de metodología de sonido, que se encuentra en su más reciente, Libera a todos los ángeles, que recientemente entró en las listas de éxitos del Reino Unido en el número 1 y también debería estar en las listas de Estados Unidos. (Element, 23:00 h) - Marc Savlov

LOS BREVES: Si no lo supieras mejor, pensarías que te has topado con un disco de la Generación X anterior al cobarde, con el sonido punk de la primera ola y Chris Brief, que se parece a Billy Idol, que toca la batería y canta. El cuarteto de Seattle lanzó su EP debut en Interscope el año pasado después de que su actuación en SXSW les consiguiera un trato. (Sala Roja, 23:00 h) - Michael Chamy

LOS DRAGONES: Los dragones de San Diego dirigidos por Mario Escovedo tocan rock de cuatro acordes y # 224 la New York Dolls o Stones borrachos. Con cuatro LP en su haber, el último de ellos Rock & Roll Kamikaze en Junk - codifican cómo debería sonar el género - fácil en la delicadeza y mucha pasión. (Emo's Jr., 11 p.m.) - Jerry Renshaw

YAYHOOS: Después de cinco años de comienzos en falso, este supergrupo de países alternativos, Dan Baird, Eric Ambel, Keith Christopher y Terry Anderson, finalmente se unieron el año pasado para registrar No temas a lo obvio. Los resultados ofrecen exactamente el tipo de arrogancia que esperarías. "Get Right With Jesus" de Baird es claramente la pieza central del LP, pero su versión de "Dancin 'Queen" de ABBA debería ser un espectáculo en vivo. (Madre Egan's, 11 p.m.) - Andy Langer

LOS DESVIADORES: Es curioso, pero a medida que pasa el tiempo, "Bakersfield" / "Buck Owens" se mencionan cada vez menos en asociación con los Derailers de Austin. Si la imitación es un halago, entonces Owens recibe un beso en el trasero perpetuo aquí, pero eso no mitiga el hecho de que los Derailers entregan un honky tonk infalible, incluso si hace más backbeat con cada salida sucesiva. (Austin Music Hall, 23:00 h) - Michael Bertin

JON DEE GRAHAM: "Jon Dee Graham - compositor de gran reputación". Rara vez una biografía dice tanto. Desde los años 97 excepcionales Escape de la isla de los monstruos, La antigua Skunk y True Believer de Austin ha sido objeto de un brillante boca a boca. Su flamante Hurra por la luna on New West puede ser su trabajo más seguro y completamente accesible hasta ahora. (Mercurio, 23:00 h) - Andy Langer

DARDEN SMITH: Durante mucho tiempo, uno de los cantautores favoritos de Austin, Darden Smith es apreciado por su forma ganadora con una melodía y su inquebrantable honestidad lírica. En abril llega la plena floración de Girasol, su primer LP de canciones nuevas en casi seis años, con Patty Griffin, Kim Richey y un brillo definitivo. (Gingerman, 23:00 h) - Jim Caligiuri

LOS SILOS: Walter Salas-Humara & Co. acaba de finalizar una gira por Europa y España, habiendo lanzado Haz láser al lado (Pasado a cuadros) el año pasado, que es más de las raíces y el rock universitario que los puso en el mapa. Ya se están preparando para escribir el próximo álbum. (Momo's, 11 p.m.) - Melanie Haupt

EMPRESA DE ACCIÓN IAN MOORE: Nacido en Berkeley, criado en Austin y ahora viviendo cerca de Seattle, el debut homónimo de Ian Moore en 1994 manifiesta sus habilidades en el traste. Su sexto y más reciente LP, Vía satélite tiene la esencia de la magia de las cuerdas, pero desde su comienzo profesional como guitarrista de Joe Ely, la música de Moore se ha vuelto más matizada. (Hard Rock Café, 23:00 h) - David Lynch

FORD MODELO T: Fat Possum se especializa en blues crudo y juke-joint interpretado por hombres negros de edad avanzada, y T-Model, nativo de Mississippi, no es una excepción. Tenía 75 años cuando debutó con el sello, Pee Wee Get My Gun, salió, y 2000 vio el lanzamiento de Ella Ain't Ninguno de tus'norte. Incluso para los estándares de Fat Possum, T es bastante primitivo, con una formación que consiste en un baterista y él mismo tocando hilos de blues con acordes zumbidos y que suenan sucios. (Antone's, 11 p.m.) - Jerry Renshaw

SEÑOR. NUCA: Andy McCarthy, nativo de Manchester y compañero de sello de Ninja Tune, se esfuerza por crear "música que no podría escuchar en ningún otro lugar", lo que lleva a este pionero del DJ a explorar una plétora de géneros en sets que duran hasta cinco horas. Su negativa a aceptar espacios cortos lo ha llevado a pasar una noche entera en Plush. (Peluche, 23:00 h) - Christopher Coletti ANALÓGICO II: Antes de todo este negocio de IDM, Tortoise sentó un precedente para el rock indie instrumental. Eso fue cuando las líneas de bajo eran cálidas, atractivas y fascinantes. Analogue, un grupo del área del Triángulo de Investigación de Carolina del Norte, tomó esa pista y lanzó su joya perdida de un debut. AAD en el verano de 1996. Resurgieron como Analogue II en CMJ 2000 y SXSW 2001, ofreciendo momentos de felicidad analógica. (Empanada Parlor, medianoche) - Michael Chamy

VUE: Estos cinco cueros del Área de la Bahía lucieron glamorosos con su debut homónimo en Sub Pop, pero con el año pasado. Encuentra tu casa, se quitaron los pantalones de terciopelo y aumentaron el cociente post-alma de los Stooges. (Sala Roja, medianoche) -- Raoul Hernandez

SUBCONJUNTO: Este trío de pop con sede en Austin gana corazones y mentes con su capacidad para explorar la derrota sin sucumbir al derrotismo de sus compañeros emocionados. El debut de Subset en 2000, Paso superior (Post-Parlo) fue una hábil combinación del pop sincero de Badfinger y la angulosidad stop-start de Mission of Burma. (Salón Ritz, medianoche) - Greg Beets

ADOLESCENTE IMPERIAL: Imperial Teen se especializa en una marca única de bubblegrunge que pocos pueden replicar. Después de los '96 Mareado y los 99 Que es no amar, los Teens hicieron una pausa, y los chicos (el cantante / guitarrista Roddy Bottum y Will Schwartz) se fueron a Los Ángeles y las chicas (la baterista Lynn Perko y el bajista Jone Stebbings) se quedaron en San Francisco. A finales de esta primavera, Merge debutará Sobre, producida por los recién casados ​​Steven McDonald (Redd Kross) y Anna Waronker (That Dog) está plagada de la irresistible corriente oscura que marca el estimulante pop de IT. (District Bar & Grill, medianoche) - Melanie Haupt

LOS QUERIDOS: Un fenómeno en su ciudad natal de Montreal, el tipo de pop Dears recuerda a bandas británicas como Blur y, a veces, a los Smiths, con el cantante Murray Lightburn apodado Black Morrissey. Su segundo esfuerzo, el apropiadamente titulado Pop orquestal Noir Romantique, estará disponible a través de Universal Music esta primavera. (BD Riley's, medianoche) - Jim Caligiuri

ABRA MOORE: Después de seguir a Clive Davis desde Arista hasta su J Records, Abra Moore Sin miedo vence a finales de mayo. Grabado en Nueva York, Los Ángeles, Londres, Nashville y Austin, supuestamente es más ambiental que los nominados al Grammy del 97. Lugares mas extraños. Sea el primero en el bloque en escuchar lo que ha entregado a la etiqueta más popular del negocio. (Barco de vapor, medianoche) - Andy Langer

LI'L CAP'N TRAVIS: No es suficiente que Li'l Cap'n Travis de Austin haya dominado lo casi imposible de ser divertido y serio, pero entre su debut homónimo y el nuevo Solitario y losin', se convirtieron en una banda muy buena. Sin pretensiones, autocrítico y genuino casi hasta el final, el Capitán hace que el rock & roll sea seguro por ser un poco tonto y un poco country. Puede que sean lo mejor que hay en Austin. (Continental Club, medianoche) - Michael Bertin

FLATLANDERS: Contactados en el estudio del rancho de Joe Ely el mes pasado, Ely, Jimmie Dale Gilmore y Butch Hancock sonaban como si estuvieran comiendo, bebiendo y recordando más que grabando, y sin embargo, su debut en New West en mayo es uno de los álbumes más esperados. del Año Nuevo de Austin. Más una leyenda que una banda, este trío está superando su mitología. (Mercurio, medianoche) - Raoul Hernandez

BEAVER NELSON: El maravilloso tercer álbum de Nelson, No perturbado, no es exactamente unTexan, algo que el nativo de Houston y residente de Austin desde hace mucho tiempo probablemente no pueda encogerse de hombros, pero suena más a un LP del catálogo de Marshall Crenshaw o Graham Parker que a la tradición trovadoresca de Texas. Más importante aún, es una excelente canción. (Hard Rock Cafe, medianoche) - Michael Bertin

SEXTON: Su colaboración de New Folk Underground con David Baerwald debería ocupar gran parte de 2002, pero la presentación en solitario de Will Sexton en SXSW sirve como un fuerte recordatorio de que su Escenas de ninguna parte puede haber sido el LP local más pasado por alto criminalmente el año pasado. Sus narrativas fatalistas fueron a la vez conmovedoras y perfectamente transferidas al escenario. (Ruta Maya, medianoche) - Andy Langer

Kelly imprudente: Desde 1997, Reckless Kelly ha deleitado al público aquí en la ciudad natal de Austin y en todo el país con su estilo de rockin 'country. Su música está llena de armonías elegantes, guitarras eléctricas resonantes y letras que reflejan la vida más allá de la edad relativamente joven de los miembros de la banda. (Austin Music Hall, medianoche) - Jim Caligiuri

COHETES BOTELLAS: Los Bottle Rockets lo hicieron. El orgullo de Festus, Missouri, rinde homenaje al difunto santo patrón de Cosmic Cowboys, Sir Doug Sahm, con su flamante nuevo Canciones de Sahm (Inyectado de sangre). Es un poco como los Bottle Rockets, descuidados, enérgicos y alegres de principio a fin, y muy parecido a Sahm. En otras palabras, es casi perfecto. (Madre Egan's, medianoche) - Michael Bertin

HIJOS BASTARDOS DE JOHNNY CASH: Ha sido un año ajetreado para estos neo-honky-tonkers: (re) lanzaron su CD debut, Caminar solo, y además de haber terminado su gira de invierno, se habla de un nuevo álbum en otoño. Hasta entonces, todos estamos esperando que el Hombre de Negro reclame su engendro musical. (Broken Spoke, medianoche) - Melanie Haupt

ALTO EN EL FUEGO: Aunque Monster Magnet, Fu Manchu y QOTSA tienen toda la prensa, fue Sleep quien inició la estampida de stoner rock. Matt Pike, el hacha del sueño, lleva el bong con orgullo a remolque con High on Fire de SF, cuyo próximo disco Relapse Records llega poco después de la década de 2000. El arte de la autodefensa, que cruzó el sábado con los Melvins para crear un apocalipsis con incrustaciones de hachís. (Emo's, medianoche) - Michael Chamy

JERRY CANTRELL: Segundo álbum en solitario de Jerry Cantrell, Viaje de degradación, sugiere que puedes sacar al guitarrista de Alice in Chains, pero no a Alice in Chains del guitarrista. La influencia de AIC en los n & # 252-metalúrgicos hace que esa paradoja sea un retorno bienvenido. Igualmente impresionantes son el bajista Robert Trujillo (Suicidal Tendencies) y el baterista Mike Bordin (Faith No More). (Stubb's, medianoche) - Andy Langer

CONSORCIO ANTI POP: Manejar el hip-hop con un descontento agresivo le ha dado a APC un sonido único que a veces es oscuro, generalmente áspero y siempre diferente. Basado principalmente en prosa y contenido literario, Beans, Priest y M. Sayyid, forman una extraña declaración musical que se rebela contra el estado rancio del pop. En 2001, abrieron para Radiohead en Europa y fueron aclamados como un grupo que es "grandiosamente poético, perversamente abstracto y directo" por Tiempo revista. (La Zona Rosa, medianoche) - Christopher Coletti

JACOB FRED JAZZ ODYSSEY: Habiendo completado el cruce de las salas de jazz de Austin a sus inmersiones de hippie-jam-band-band y viceversa, Jacob Fred Jazz Odyssey de Tulsa siempre es bienvenido en cualquier lugar de Austin. Habiendo afilado sus habilidades para una gira reciente con Charlie Hunter, este trío sin duda estará en buena forma para este escaparate. (Ambiente, 12:30 a.m.) - Christopher Hess

TEYE & VIVA EL FLAMENCO: Nacido en los Países Bajos y llegado a Austin a través de Londres y París, el extraordinario guitarrista Teye ha flamenco con Bruce Springsteen, Dwight Yoakam, Rosie Flores, David Lindley, Rick Trevino, Roseanne Cash y Lyle Lovett. En su cuarta aparición consecutiva en SXSW, Viva El Flamenco toca canciones de su debut en 1999. ¡Viva el Flamenco! (Pozo de arcilla, 1 a. M.) - David Lynch

SIXPENCE NONE THE RICHER: Estos jóvenes de CenTexans emergieron de la escena cristiana contemporánea para abrir para 10,000 Maniacs en 1994, allanando su camino hacia el estrellato con el dulce imperativo "Kiss Me" y una versión siempre tan conmovedora de "There She Goes" de Los Ángeles. En 2001, el pájaro cantante Leigh Nash se podía escuchar en el sencillo "Innocente (Falling in Love)" de Delerium, pero el prometido LP Sixpence no se ha materializado. (Barco de vapor, 1 a. M.) - Melanie Haupt

LAS SADIES: Liderados por los hermanos Travis y Dallas Good, la respuesta de Canadá al Valle de la Muerte de Austin es igualmente hábil para llevar a cabo a Ennio Morricone ya que son Shadowy Men en un Shadowy Planet, porque, bueno, es casi lo mismo. Con tres discos Bloodshot en su haber, eliminan el surf punk y lo reemplazan con tumbleweeds. (BD Riley's, 1 a. m.) - Michael Bertin

SLOBBERBONE: Has alcanzado la cima del éxito cuando Stephen King elogia tu trabajo en su última obra maestra de terror. El libro en cuestión es Casa Negra, y la canción en cuestión es "Gimme Back My Dog", del lanzamiento de 'Bone's 2000, Todo lo que pensabas que estaba bien estaba mal hoy (Nuevo Oeste). Cuando eres una pequeña banda de países alternativos de Denton, Texas, este es un elogio digno de un comunicado de prensa. (Mercurio, 1 a.m.) - Melanie Haupt

PIZCA: Es solo Dash ahora, puedes dejar la parte de "Rip Rock" con los noventa. El nuevo y mejorado Dash sigue siendo un trío explosivo con mucha historia a sus espaldas y más por venir (mira su próximo álbum Estampido supersónico). Independientemente de lo que esperabas de la banda con sede en Nueva Orleans, todavía lo tienen y es mejor que nunca. (Hard Rock Café, 1 a. M.) - Margaret Moser

JEFF HUGHES Y CHAPARRAL: Será difícil para Jeff Hughes superar el año pasado Cabeza a cubierta, una colección de canciones de rock clásico country como "You Shook Me All Night Long" de AC / DC y "More Than This" de Roxy Music. Dado que Hughes registra un álbum cada tres años, prepárate para escuchar algunos verdadero country-rawk. (Hablado roto, 1 a. M.) - Melanie Haupt

JIM LAUDERDALE: Uno de los mejores compositores de Nashville y un intérprete carismático, Jim Lauderdale lanzará dos discos en Dualtone en mayo. Uno, Perdido en los pinos solitarios, será su segunda colaboración de música montañesa con Ralph Stanley. El otro, Colibrí, es un álbum que fue rechazado por RCA hace un par de años y nunca ha sido lanzado. (Gingerman, 1 a. M.) - Jim Caligiuri

SUPERSUCKERS: Ya sea como telonero de los Ramones o respaldando a Willie Nelson en El show de esta noche, la fusión de punk y twang de los Supersuckers ha dado lugar a 14 años de espectáculos estelares. Después de una larga carrera en Sub Pop y una breve parada en Koch, el cuarteto de Seattle formó sus propias Mid-Fi Recordings en 2001, y recientemente lanzó Debe'he estado en vivo, un compendio repleto de invitados grabado en vivo en Austin, Dallas y San Diego. (Metro, 1 a. M.) - Greg Beets

HERMANOS WACO: Una gran razón para asistir al SXSW, los Waco Brothers de Chicago dieron una patada en el culo con su estilo de marca de rock vibrante impulsado por Celtic Clash en lugares que van desde escenarios hasta callejones. Parada obligatoria para principiantes. (Madre Egan's, 1 a. m.) - David Lynch

HIJOS DE HÉRCULES: Los reyes del garage punk de Alamo City presionan todos los botones correctos (MC5, Stooges y Radio Birdman) con sus actuaciones estelares. Elevándose sobre la multitud como una versión punk del gran Billy Paultz de los Spurs, el vocalista Frank Pugliese es un veterano del escenario cuya banda The Vamps abrieron para los Sex Pistols en 1978. (Sala Roja, 1 a. M.) - Greg Beets

TITO Y TARANTULA: Cuando no está pagando sus cuotas de Actor's Guild, el ex-líder de Cruzado / Plugz Tito Larriva y el guitarrista de monster slide Peter Atanasoff están lanzando rock de fondo grande para hacer Tarantino / Robert Rodriguez's Desde el anochecer 'Hasta el amanecer parece una comedia. Su tercer LP, Andalucia, sigue siendo solo de importación. (Continental Club, 01:00 h) - Raoul Hernandez

APESTAR: Al mismo tiempo retro y futurista, y bendecido con cuatro vocalistas, Pong es uno de los mejores atuendos de Austin, prueba encontrada en el debut de Woodeye del año pasado. Estilo de vida asesino. Viven en un planeta poblado por Mouse on Mars, Kool Keith, Kraftwerk, Black Sabbath, Beach Boys, Brian Eno, Can y los Minutemen. Loco y peligroso. (District Bar & Grill, 1 a. M.) - David Lynch


Encajar

¡Comparte el EPK de Dovetail!

"Si los Beatles, los Byrds y los Beach Boys se metieran en una licuadora, se pusieran frappé y se remataran con una pizca de Muse y el más mínimo indicio de Queen, tendrías una cola de milano. Voces dinámicas y magníficos instrumentos hacen que estos tejanos sean un INFIERNO de una banda que todo amante del rock 'n' roll debería ver ". - BUZZFEED

Mount Karma // Dovetail (estreno del álbum y vista previa de pista por pista)

Ha habido un exceso de bandas de rock que saben cómo producir música rock accesible con guitarras slammin ', voces crudas y emociones intensas. Claro, las bandas de rock alternativo que combinan sensibilidades folk-indie como Imagine Dragons o Half Moon Circle y aquellas a las que les ha ido bien explorando géneros de fusión como Muse son populares, pero ¿ha habido alguna verdadera banda de rock 'n roll últimamente?

Entra en Dovetail, una banda de rock de seis miembros de Texas que me recuerda la versatilidad de los grandes del rock 'n roll como The Beatles y The Byrds. ¿Está realmente justificado este gran elogio?

Jump Into Limbo tuvo la oportunidad de ver una vista previa de su álbum debut de larga duración, Mount Karma, que se lanzará el 29 de octubre. Descubra lo que tenemos que decir sobre este álbum, pista por pista.

Como canción de apertura, esta canción me enganchó al resto de este álbum. Me llamó la atención con un estribillo de guitarra sensato que se repite como una conversación de bajo principal. El coro comienza y estoy absolutamente seguro de que esto debería ser un gran éxito. Como era de esperar, Dovetail ganó el Concurso de escritura de canciones de John Lennon 2012 en la categoría de Canción de rock del año por esta canción. ¡Bien merecido de verdad! Sin duda, tuve esto en repetición durante días incluso antes de comenzar con el resto del álbum.

Después de Julie, me impresionó instantáneamente que esta banda fuera algo especial, y ¿cómo superarían esa pista de apertura? Big City fue un poco menos que perfecta porque pensé que tenía una melodía incómoda (hubiera preferido un tono más bajo). La gracia salvadora son las armonías en el coro y la sección de puente atenuada e impulsada por el piano.

El título de la canción lo delató, inspirado en el country seguro. Esta pista se disfruta de una manera lenta, cantando un himno triunfante en el auto en un viaje por carretera. ¿Y no es esa una de las formas más divertidas de disfrutar de una canción de rock 'n roll? El reflujo y el flujo de las letras levantan los puños en el aire y los mantienen así hasta el próximo "¡hey!".

Aprecio plenamente los extensos arreglos dinámicos que se hicieron en esta canción. Las armonías de cuatro partes y los licks de piano son sobresalientes, al igual que las letras de los versos. Desafortunadamente, debo haber perdido la metáfora porque no estoy muy seguro de lo que significa "eres tan pesado" ...

Vea The Sun canaliza The Beach Boys con su arreglo más acústico y un acompañamiento de acordes de piano pop-ish, pero mantiene las cosas interesantes con progresiones de acordes inesperadas y licks de guitarra que le permiten saber que esta no es la típica balada de rock. Felicitaciones al cantante principal de esta pista, que muestra cero moderación al cantar notas desafiantes. Siempre sucede algo nuevo en esta canción que me empieza a preguntar cómo es el proceso de composición de la banda. Por ejemplo, ¿cómo serían sus puntajes, si es que tienen uno? La idea de lo poco formuladas que son las estructuras de sus canciones es impresionante. ¡Diría que esta es mi canción favorita de tempo lento de este álbum!

No puedo sentir que escuche aquí

Esta canción entregó ese lado más suave y sentimental de la banda. El estribillo es impresionante pero triste: me he estado consumiendo, he perdido un día, he estado desperdiciando la forma en que tú me quieres. ¿Mi único problema con esta canción? ¡Esta canción debería ser más larga!

Si te gustó la primera pista Julie, esta canción está en el mismo hilo. Rezumando atractivo sexual como debería hacerlo la música rock 'n roll (digo que es por las guitarras), esta pista es bastante buena, pero ¿es suficiente para dar seguimiento a la energía que está presente en Julie? Diría que sube el tempo, saca más guitarras overdrive y me golpea con ellas.

Más fácil de ver Escuche aquí

¡Ah, aquí está! MÁS BAJO. Finalmente. Para no ser subestimado, la composición de Dovetail es de primera categoría en esta canción similar a Muse que ve al cantante principal Philip Creamer canturreando sobre su visión. Puedo sentir la poderosa energía que emana de esta canción y se reproduce incluso en las líneas melódicas de piano menores. El ritmo rápido me dio golpes de cabeza en cuestión de minutos, ¡y definitivamente será un placer verlo en vivo!

Escuchen Niños Escuchen aquí

Aunque me gustaría pensar que se ha pensado mucho en hacer de esta canción más parecida a una canción de cuna un puente a la siguiente para hacer que escuchar el álbum sea un viaje. Sin embargo, sentí que terminó de manera ligeramente abrupta y que realmente no cumplió con su propósito (¿previsto?). Sin embargo, no está etiquetado como un interludio, entonces, ¿quién soy yo para juzgar?

¡Simplemente impresionante! Rara vez cuestionaría a los compositores sobre su producción musical, pero esta canción parece perfecta para un dúo. Es solo pedir una voz femenina (¿podría sugerir una voz country, tal vez Joy Williams de The Civil Wars?) No me malinterpretes, la canción ya es fantástica como una canción de amor clásica con emociones intensas. Ahora necesitamos escuchar el otro lado de la historia: ¡cuéntenlo juntos!

Una canción de amor conmovedora que se calma con las mismas técnicas acústicas y de capas, pero nada de esto abruma.

Esta canción es memorable por su estribillo mucho más simple "Se va a bajar" que simplemente se te queda en la cabeza. Renovado a partir de una versión anterior de su EP, mi parte favorita es el solo de guitarra en el puente, aunque me hubiera gustado que continuara con un abandono más imprudente, como suele ocurrir con las voces. Otro final caótico e inesperado de la canción (si escuchas todo el álbum, ¡esto es común!)

The Road abraza un poco de silencio, un espacio para respirar desde el principio antes de dejar que las capas se fusionen en un vórtice arremolinado de piano, trompeta y batería de estilo casi libre. "No quiero vivir para siempre, no. Solo quiero encontrar un buen camino a seguir. No quiero ser una tendencia interminable ". son las letras melancólicas que llevan esta canción a uno de esos días de

La configuración acústica y la voz altísima de esta canción la convierten en una experiencia animada, casi folclórica. Mount Karma es el título perfecto para esta canción, y representa todo el álbum mientras recorre temas de amor, viaje, búsqueda y pérdida. Las armonías resurgen con venganza, construyendo los crescendos de la canción antes de que vuelva a caer en un estribillo conmovedor: "Amor en el monte karma, cuando era más joven, mi vida pasaba ante mis ojos".

En general, ¡este álbum fue bastante bueno! ¡Definitivamente me interesaría ver cómo los miembros pueden recrear en vivo la obra maestra que es este álbum! Dovetail está formado por Creamer y su hermano Daniel, Aaron Haynes, Scott Lee, Tucker Cauble y Matthew McDonald. - SALTAR AL LIMBO

En su primer álbum de larga duración, Mount Karma, la banda con sede en Texas Dovetail fusiona la armonía de Beach Boy con el country-rock influenciado de los sesenta sin dejar de lograr mantener su propio sonido.

Comenzando el álbum con "Julie", ganadora del premio John Lennon Songwriting Contest a la mejor canción de rock, la banda marca su territorio rápidamente. La vibrante guitarra occidental a lo largo de la pista contrasta con la hermosa superposición de armonía vocal que proporciona la banda.

En "Big City", la banda cambia al modo de himno completo mientras el cantante principal Phillip Creamer suplica: "La gran ciudad baja la velocidad y suéltalo". La voz de Creamer es definitivamente el as de Dovetail en el agujero, su sonido recuerda a Matt Bellamy de Muse, menos la perfección operística.

Sin encasillarse nunca en un estilo del álbum, la banda baja el tempo y lanza sus influencias de Keane a la vanguardia con "See the Sun". Esta comparación es un poco desagradable ya que Keane lanzó recientemente un nuevo sencillo, "Higher Than the Sun".

En "Story", Creamer coloca una guitarra triste sobre el piano que rebota. Esta yuxtaposición ayuda a cimentar la sensación de pérdida que transmite la letra.

La banda da un giro espaciado en "The Road", no muy diferente a las bandas británicas Keane y los primeros Radiohead. Creamer exclama: "No quiero vivir para siempre, no. Solo quiero encontrar un buen camino a seguir ”, y la banda sube a su alrededor, construyendo un fuerte clímax.

El culto a Brian Wilson ha crecido en popularidad en la última década con el estilo de armonía de los Beach Boys llegando al folk-rock (ver Fleet Foxes) y la electrónica (ver Animal Collective). Si bien lo que hace Dovetail puede no ser radical, lo realiza con habilidad.

Han pasado casi tres años desde que la banda lanzó su primer EP Love is War, y está claro que el grupo ha pasado ese tiempo perfeccionando su sonido y perfeccionando sus habilidades para escribir canciones. Esperamos que no sean necesarios otros tres años para ver su próximo lanzamiento. - EL COLEGIO

Lo que pasa con la arrogancia es que, cuando no funciona, cuando no hay suficiente sustancia detrás para hacerlo creíble, es una receta para el desastre. Pero cuando lo hace, cuando las canciones, los arreglos y las actuaciones brindan la mercancía y lo atraen, un poco de arrogancia se convierte en la guinda del pastel, una sonrisa de complicidad compartida entre el intérprete y el público.

Los nativos de Texas Dovetail, el dúo hermano de Philip Creamer (voz principal / guitarra) y Daniel Creamer (teclas / voz de armonía) con Aaron Haynes (batería) y Scott Lee (bajo), son clasicistas del rock and roll de primer orden, tomando prestados sabores de los Beatles, Byrds, The Band y Big Star para crear sus ingeniosas y embriagadoras canciones. (La influencia anterior se ve acentuada por el hecho de que la banda ganó el Concurso de composición de canciones John Lennon 2012 en la categoría "Canción de rock del año").

Este álbum debut dinámico e impresionante comienza con la canción ganadora del concurso, "Julie", una pequeña joya alternativamente aturdida y apocalíptica que logra moverse a través de tres o cuatro estados de ánimo distintos en menos de cuatro minutos, desplegando guitarra rítmica acústica, piano y órgano. , bajo, batería y el miembro más reciente Tucker Cauble en la guitarra principal. Sin embargo, lo que lleva a la canción de buena a excelente es ese poco de arrogancia, la confianza con la que la banda impulsa la canción a través de sus cambios.

Vocalmente, Philip Creamer tiene un poco de la cualidad, bueno, aguda de Tom Chaplin de Keane, pero la influencia que escucho aún más, no en la composición, sino en la interpretación, es Jeff Buckley. Como vocalista, Creamer parece intrépido, virando bruscamente, sumergiéndose y volando a través de estas canciones, extendiendo las sílabas, creando drama y dejándote adivinando cómo tocará la melodía a continuación. (También suena un poco como el propio Casey Frazier de Monterey [enlace], aunque parece poco probable que se hayan cruzado alguna vez ...)

Como banda, una de las cosas que Dovetail hace mejor es entender cómo dividir una canción en lo esencial y reconstruirla, como lo hacen en "Big City", destacando cómo la voz principal y armónica, las guitarras principales y rítmicas, los teclados y la sección de ritmo encajan. Los arreglos siempre se sienten sueltos y orgánicos, sin embargo, son consistentemente detallados y en capas.

Las influencias del rock clásico están por todas partes en "Hey Hey Mama", cuyo arreglo lúdico detrás de la impredecible voz principal de Creamer no sugiere nada tanto como el mencionado Jeff Buckley al frente de los Black Crowes. Lo más destacado del álbum "Heavy" es un número de power-pop potente, que avanza poco a poco hacia el psicodélico, que Creamer impulsa a la estratosfera en los coros, convirtiendo el título de una palabra de la canción en un mini-aria de cuatro sílabas como pequeñas llenas de guitarra acústica puntúan las líneas.

Y así pasa por la balada vaporosa y desordenada "See The Sun", el eco clásico de "Can’t Feel You" y la resbaladiza y poderosa "Hurricane". A medida que avanzas hacia el último tercio del álbum, los chicos arrojan una gama más amplia de ideas e influencias a la olla y se agitan, y "Story" a veces se siente como una balada perdida de U2 con su guitarra de ensueño y eco y su vibra inquietante, mientras que " Get Down ”presenta una melodía melancólica y enganchada en el centro de un arreglo denso y grasiento que está marcado por fuertes ráfagas de guitarra eléctrica. La canción que da título al cierre se adentra brevemente en el territorio de Tin Pan Alley con una alegría y una bravuconería que sugieren a Queen.

Para un oyente de cierta edad, Dovetail suena como un recuerdo de las noches de verano junto al agua, sentado en el maletero con el estéreo del auto encendido y todas las puertas abiertas. Es un sonido clásico, cariñosamente renderizado, pero lo que realmente lo hace funcionar es cuán a fondo la banda lo habita. No hay una nota falsa aquí, solo pura pasión y un talento considerable y, sí, un poco de arrogancia que lleva este disco a la tierra prometida. - LA BÓVEDA DIARIA

Artista: Dovetail
Canción: & # 39Big City & # 39
Quién: Dovetail es una banda de seis integrantes con el líder y compositor Philip Creamer como la fuerza impulsora y la voz. En su mayoría, están inspirados en las armonías de los sesenta y setenta impulsadas por el himno del rock 'n pop. Desde la voz de ruiseñor de The Byrds hasta el country rock de The Eagles
Hogar: Dallas, Texas
Trabajo: EP debut "Love is War" (2010) / álbum debut "Mount Karma" (2012), reeditado en octubre pasado (ver enlace de Soundcloud en la parte inferior) por su sello con sede en Nueva Jersey "Ok! Good Records"
Music Is The Dope: los grandes "coros-armonías-melodías-orquestaciones" están de vuelta. La voz del líder Philip Creamer lleva las excelentes canciones elaboradas a un nivel del tamaño de un estadio. ¡Euforia del Rock 'n Roll! Oh ... y el pelo largo, muy largo también ha vuelto ... - MUSIC IS THE DOPE

Decir que la banda de rock con sede en Dallas Dovetail es una banda de rock retro de los años 60 o 70 es una especie de golpe leve tanto para la banda como para la música de entonces. No son una banda de covers o algo así.
Dovetail no está aquí para complacernos con sonidos de placer nostálgico rebajado. Al decir eso, no soy tan ingenuo para pensar que Philip y Daniel Creamer hubieran llegado con este sonido específico sin la guía de algunas figuras musicales notables.
Supongo que lo que estoy diciendo es que si bien las armonías nos recuerdan a The Beatles y The Beach Boys, sus arreglos pueden provocar imágenes de Queen, y hay indicios del glamour de T. Rex y el folk de Laurel Canyon, y la composición no lo son. simplemente seleccionando las grandes cualidades de todas estas bandas para crear su sonido sin ninguna referencia o razón. La experiencia del rock and roll no es lo suficientemente vieja como para pensar que Dovetail (y la mayoría de las bandas de rock) no sienten lo mismo acerca de las cosas que sentían las bandas de los sesenta y setenta.
Hay una voz genuina de Creamer Brothers y compañía. Aquí está sucediendo un proceso orgánico y sincero.
Después de escuchar su debut en 2013 con un gran sello discográfico, Mount Karma, sabes que Dovetail no está en el negocio de tratar de recrear lo que hicieron los mayores estadistas del rock. Si ese fuera el caso, solo habrían grabado Magical Mystery Pet Sounds o algo por el estilo. ¿Qué hay de divertido en eso?
En todas partes, muestran su rango saltando desde excursionistas de rock legítimos como "Hurricane", baladas folclóricas de Wilcoesque como "Big City", el sencillo "Can’t Feel You" y la canción principal de magnum opus de construcción elegante "Mount Karma". Aunque no es drásticamente más larga que cualquier otra pista, "Mount Karma" se siente como un grandioso crescendo con diferentes piezas más pequeñas que crean un todo más grande. Es realmente un microcosmos para todo el disco.
A principios de esta semana, hablamos por teléfono con el vocalista principal y guitarrista Philip Creamer y hablamos sobre la escritura de Mount Karma, ser una banda de rock de Dallas y lo que sigue para Dovetail. Tocarán esta noche (sábado 4 de enero) como teloneros para los rockeros Jonathan Tyler y The Northern Lights en The Blue Light.
Siga a Dovetail en Twitter aquí, haga clic en Me gusta en Facebook aquí, y mire / escuche a "Julie" a continuación. - NUEVO SLANG

Philip Creamer conoce a John Lennon. No personalmente, por supuesto, pero el líder de Dovetail ciertamente tiene un parentesco con el fallecido cantante y compositor de los Beatles.
Está agradecido por esa conexión. En enero de 2012 Creamer inscribió la melodía de su banda de Dallas "Julie", un corte del álbum debut de 2012, Mount Karma, en el Concurso internacional de composición de canciones de John Lennon. En julio, "Julie" se había hecho con el gran premio en la categoría de rock entre el primer grupo de concursantes. Seis meses después, "Julie" se llevó a casa la mayor cantidad de votos de los fanáticos cuando se enfrentó al ganador del segundo lote de entradas de canciones de rock.
Eso le valió a "Julie" de Dovetail el codiciado premio Lennon a la canción rock del año. Creamer y sus compañeros de banda ya habían ganado $ 10,000 en equipo y premios. También convierte a "Julie" en una candidata a la canción del año, por la que competirá contra 11 canciones ganadoras de los otros géneros musicales. El ganador, que se anunciará en julio, se lleva a casa 20.000 dólares en efectivo.
"Participar en el Concurso de composición de canciones de John Lennon es una de las muchas cosas que hicimos como banda después del lanzamiento de Mount Karma en un intento de llamar la atención sobre las canciones de manera no tradicional", dijo Creamer, de 29 años, en un intercambio de correo electrónico. “Entré a través de Sonicbids.com. Solo ingresé 'Julie', aunque luché entre diferentes canciones en el disco ".
Creamer dijo que ha participado en unas seis canciones en varios concursos a lo largo de los años. Pero esta fue la primera victoria.
"Cuando leí el correo electrónico y me di cuenta de que 'Julie' había ganado, subí las escaleras, procedí a buscar a mi hermano y me asusté un poco".
Dovetail está formado por Creamer y su hermano Daniel, Aaron Haynes, Scott Lee, Tucker Cauble y Matthew McDonald. El productor de discos Beau Bedford actúa ocasionalmente en concierto con la banda.
El concurso de Lennon sirvió como catalizador de una gran cantidad de actividad con Dovetail. El grupo firmó un contrato de grabación con OK! Good Records, con sede en Nueva Jersey. Mount Karma será relanzado por OK! Good, tentativamente en agosto. Le dará al disco, que fue publicado de forma independiente por Dovetail, una distribución nacional muy necesaria.
"Estoy muy emocionado por el relanzamiento de Mount Karma por muchas razones", dijo Creamer. “La primera es que esta vez podemos lanzar el álbum a una audiencia mucho mayor. Es un hito definitivo en nuestro camino. Con tanto por ahí, se necesita mucha ayuda para cortar el ruido. Es bueno saber que este disco se escuchará en muchos lugares del mundo y creemos que es un disco que la gente de todo tipo puede apreciar ".
Además, el espectáculo de la banda el 24 de mayo en el Foundry Bar en Dallas marca el lanzamiento de edición limitada de un sencillo de vinilo de 7 pulgadas con "Julie" respaldado con una nueva canción, "Hey Hey Mama". Tanto “Hey Hey Mama” como “Big City”, otra pista nueva, estarán en el relanzamiento de Mount Karma.
"Big City" y "Hey Hey Mama" capturan una fuerte evolución para Dovetail. Las canciones siguen estando muy en consonancia con las melodías vaporosas, los teclados en cascada y los riffs de guitarra intensivos en ritmo que caracterizan a Dovetail, pero hay un borde un poco más duro, un sonido más preciso.
"'Big City' y 'Hey Hey Mama' son sin duda una continuación de nuestro crecimiento como banda", dijo Creamer. “Creo que reflejan el lugar en el que nos encontramos hoy, aunque elegimos grabar estas dos canciones en particular porque fueron escritas en el momento de la mayor parte de Mount Karma y queríamos continuar con la sensación de la época. Creo que las canciones reflejan con mayor precisión nuestras propias preferencias musicales en los arreglos y aspectos sonoros, al tiempo que dejan espacio para el papel cada vez más principal del piano y la armonía ".
Líricamente hablando, las dos canciones evocan emociones personales para Creamer.
“'Hey Hey Mama' es un guiño involuntario a nuestro amor por el rock psicodélico y la armonía de estilo familiar, tal vez incluso algo del country-rock de principios de los 70 que tanto amamos. "Big City" me quita el dolor. Tiene un poco de ese espíritu positivo en el que realmente creo, ya sabes, un poco de la creencia de que cuando nos alejamos de todos los asuntos de la vida, realmente podemos experimentar la belleza, y tal vez incluso la paz ".
Paz, ahora hay una palabra que conecta a Creamer con John Lennon. Ese concurso de composición cambió el curso del viaje de Dovetail.
“Después de cinco años como banda, definitivamente todo esto es un buen golpe en el brazo. Sin embargo, aunque últimamente no hemos actuado tanto a nivel local, hemos estado viajando mucho, consiguiendo que se firmara el contrato discográfico y volviendo a visitar las pistas de Mount Karma para el relanzamiento. Hemos estado escalando la montaña, aunque a menudo no se la ve ". - Noticias matutinas de Dallas

Es una noche tranquila entre semana y las ventanas de Whitehall Exchange en el distrito de Bishop Arts están abiertas. Un grupo de tres jóvenes músicos se sientan alrededor de una mesa bebiendo whisky y agua y hablan sobre el viaje de su primer disco de larga duración y su sonido increíblemente genial. Estos músicos forman parte de la banda local Dovetail y su nuevo álbum Mount Karma ha llamado la atención de Local Edge y del público que los adora por igual.

Una semana antes de su fiesta de lanzamiento de CD en Granada el mes pasado, Dovetail tuvo varios concursos promocionales en su Facebook. El día antes del espectáculo entré por capricho y gané. Nunca he ganado nada y estaba más que emocionado. Habiendo escuchado solo algunas canciones de su EP anterior, las conocía más por reputación y asociación que por cualquier otra cosa, pero estaba emocionado de ver lo que tenían para ofrecer tanto en vivo como en disco.

La actuación en vivo de Dovetail es un cóctel dinámico de toques clásicos y contemporáneos, como armonías impecables de tres y cuatro partes, ropa vintage y versiones desconocidas de John Lennon. Normalmente, consideraría esto como una receta para un cierto fracaso provocado por una arrogancia increíble. Pero la empresa de reinterpretar la angustiosa obra maestra de un ex Beatle se hizo con tanta humildad que me encontré atrapado en la insoportable honestidad de "Mother" y realmente me atraganté cuando siguieron esto con "Can't Feel You", un melancólico original sobre Renunciar al fantasma en un romance desgastado y bienvenido. Su sólido núcleo rítmico deja un amplio espacio para poner énfasis en las teclas de Daniel Creamer y la voz de Philip Creamer, que recuerda, aunque ciertamente no deriva del gran Freddy Mercury. La estructura melódica de las voces y los riffs de guitarra espaciales de Tucker Cauble dan una calidad trascendente a sus melodías que no es ni artificial ni pretenciosa.

Con dos años de preparación, Mount Karma cuenta una historia no a través de la progresión lineal de un álbum conceptual, sino más bien como una exhibición de impresionismo donde colectivamente las canciones crean viñetas o escenas que se pueden unir y adquirir un nuevo significado. Canciones como el increíblemente definitivo "Speak" y el abrasador single arquetípico "Julie" se colocan sólidamente en la posición de los grandes eventos sin dar detalles concretos. La canción principal, "Mount Karma" se coloca en último lugar en el álbum que describe un viaje de autodescubrimiento involuntario."Se trata de crecimiento, nuestro crecimiento", dice el coguionista Daniel Creamer. El vocalista principal y hermano Philip respalda esa afirmación: "Buscamos el conocimiento de lo que es la vida para nosotros. Estamos en la búsqueda de cuál es nuestro propósito ". Continúa: "La gente siente que está creando su propia realidad, bueno, ¿está bien o está mal?" Llegamos a la cima de esa idea y la vimos desde una perspectiva diferente, eso es Mount Karma ".

Inicialmente, Mount Karma estaba programado para ser grabado en 14 días por el ingeniero y productor Beau Bedford a principios de 2010, pero a medida que el sonido de la banda se desarrolló y el concepto creció, las cosas se volvieron a grabar y se agregaron nuevas pistas. “Beau es un elemento básico en nuestra música. Él saca lo mejor de todos nosotros ". Daniel dice en referencia al productor que también subió al escenario con la banda el mes pasado en el Granada para su fiesta de lanzamiento de CD. Como es típico en el trabajo de Bedford, el sonido del disco es el mismo sonido que se obtiene en la interpretación en vivo y viceversa, una firma que parece estar estableciendo para él y los artistas que tuvieron la suerte de trabajar con él.

En nuestra conversación en Whitehall Exchange se hace cada vez más evidente que el énfasis en su esfuerzo está sólidamente en la música. Enumeran a íconos como George Harrison, Bob Marley, The Beach Boys y Queen como sus influencias y se inspiran en actos locales como Quaker City Night Hawks, Kirby Brown y Weekend Hustler. El plan por ahora es seguir actuando juntos y trabajando y escribiendo con Beau Bedford.

Mount Karma está disponible en iTunes. Si estás interesado en ver Dovetail en vivo, compruébalo en Facebook y Twitter. - Revista semanal Blitz

No para sonar cliché, pero un nombre lo es todo. Entonces, al escuchar el título, "Mount Karma", ¿no le hace pensar que puede estar en el viaje de su vida?

Ahora sepa que "Mount Karma" es el primer álbum de larga duración del grupo de Dallas, Dovetail, y escuchar este disco de doce pistas es realmente un viaje.

El álbum llega casi tres años después del lanzamiento del primer EP del grupo, "Love is War", y desde que vi a la banda por primera vez a principios de 2010, han mencionado que su larga duración "estará lista pronto". Ahora, dos años después, finalmente lo es.

Pasar tanto tiempo creando un álbum es una señal obvia de perfeccionismo, que podría contar para la calidad o ser un gran golpe en su contra. Para Dovetail, logran lo primero con facilidad.

El comienzo del disco es la canción "Heavy", que comienza con una progresión de acordes muy agradable en una guitarra acústica. Puede sentir que se está construyendo hacia algo, especialmente cuando se escucha un canto bastante armonioso. Entonces sucede. Una ola de sonido choca contra tus oídos cuando la canción cobra vida. Hay una parte muy agradable en el piano en este punto, aunque una o dos de las teclas me suenan desafinadas con respecto al resto. Sin embargo, no resta de la canción, sino que se suma a su carácter. Tan pronto como abre la boca, es evidente que la voz de Philip Creamer es inmaculada, y mientras canta el coro "... Estás pesado, deberías saber que te amo. Eres pesado, deberías saber que me siento así… ”fuerza su voz en un registro un poco más alto, pero se las arregla para mostrar un control total sobre ella. Además, en el segundo verso, cuando vuelve a cantar la línea, "... Entonces veo ese amanecer dorado, trae un poco de esperanza y nos ayuda a salir adelante ...", él, junto con la música que producen sus compañeros de banda, hace un trabajo perfecto. de hacerte sentir esa emoción de esperanza.

La segunda canción, "Listen, Children", no es tanto una canción como un interludio o una transición a la siguiente pista, "Easier to See". "En el fondo de tu corazón, ¿eres quien pensabas que serías? ..." pregunta Philip tan pronto como comienza. De nuevo empuja su voz más alto al cantar la línea que es el título de la canción, pero esta vez parece llegar a sus límites. Su voz nunca se quiebra, y el hecho de que tenga un rango tan impresionante definitivamente debe ser aplaudido, aunque esta vez no suena tan cómodo. Lo curioso es que la primera vez que canta eso en la canción es la única vez que suena así. El coro es donde realmente brilla la canción, ya que el baterista, Aaron Haynes, hace algunos ritmos rápidos antes de que despegue, y la forma en que Daniel Creamer enlaza las teclas al final de cada coro es maravillosa.

El álbum tiene un poco de calma (en el buen sentido, por supuesto) con “Story”. El amor perdido es el tema principal de la canción y el coro te dice algunas palabras básicas pero muy sabias: "Escribimos esta historia sobre la marcha y no podemos recuperar las piedras que arrojamos ...". Todos podríamos aprender de eso, si así lo quisiéramos. El punto culminante de la canción llega en el puente, cuando la música se apaga un poco y Philip canta: “Todavía puedo recordar cómo el sol cayó sobre tu rostro. El pasaje que citó cuando dijo que nunca se marcharía ". La emoción que derrama en esa línea y la desesperación que se puede escuchar en "... cuando dijiste que nunca te irías". es palpable. Ser capaz de despertar emociones y hacer sentir al oyente es el efecto más grande que una banda podría esperar que su música tuviera en sus oyentes, aunque muy pocos en estos días son capaces de lograrlo. Es aún más raro encontrar un cantante que no solo pueda hacer eso, sino que lo transmita tan bien en una grabación.

Una de las muchas pistas que me llaman la atención es la siguiente, la acertadamente llamada "Huracán", cuyas líneas a menudo reflejan las características de la tormenta. La introducción es bastante pegadiza, especialmente la única tecla que se toca repetidamente. “… Y me siento en silencio con tu fantasma. Te tengo más miedo ... ”, canta Philip, mientras la canción toma un giro caótico en el coro. Por supuesto, es el entusiasta de la música

El último lanzamiento de Dovetail, "Mount Karma", ha tardado en llegar. Desde su primer EP, han sucedido muchas cosas en la vida: el número de miembros ha aumentado, su estilo ha madurado y su sonido se ha vuelto más fructífero. El tiempo les sirvió bien. El álbum, al igual que su espectáculo el sábado por la noche en el Teatro Granada, comienza con un tintineo de guitarra y armonías vocales suaves y almibaradas que catapultan al oyente al pasado a un ritmo pop de finales de los sesenta y principios de los setenta. "Mount Karma" lleva ese dominio a través de favoritos como "Más fácil de ver", "No te puedo sentir" y "Mount Karma". Hay varios momentos fuertes y emocionales en los que las canciones se instalan en un territorio armónicamente denso, llenando el oído con florituras vocales inspiradas en el gospel que llegan hasta las vigas.

Ataviado con una chaqueta de cachemira naranja y pantalones plateados, Philip Creamer es claramente un showman, reconociendo que a veces, además de un tenor nostálgico y perfecto, a un líder le vendría bien un poco más… dinamismo. Y para Dovetail, funciona. Su sonido, con letras que cubren el espectro desde el amor que salió mal hasta la búsqueda del alma, y ​​melodías pop clásicas tejidas a través de una era pasada de ritmo de rock 'n' roll, conmovedor y de la vieja escuela, se presta a cierto 'je ne dijo declaraciones de estilo quoi '. Y cuando a la mitad del set, Creamer se quita la chaqueta para revelar una capa con dos gallos en la espalda, me encontré preguntando: "Oh, ¿por qué diablos no?"

Dovetail realizó una serie energizante que abarcó casi todo su récord. Con siete personas en el escenario contribuyendo con paisajes sonoros vitales, generó una sobrecarga sensorial intensa y bienvenida. Por no hablar de las proyecciones de vídeo de principios de los 70, al estilo "American Bandstand" y "Top of the Pops", que recortan las imágenes en el escenario con lavados de colores alucinantes. Así es como debería verse y sentirse un programa, y ​​fue una maravilla. - Revista La Mode Dallas

Dallas, TX - 102.1 The Edge, el histórico Granada Theatre y La Mode Dallas lo invitan a experimentar el lanzamiento de Dovetail & # 39s Mount Karma, para una noche llena de música, moda, libaciones y baile. Los compradores de entradas anticipadas recibirán un CD de Mount Karma GRATIS en la feria. Además de Dovetail, los asistentes al evento serán testigos de la brillantez musical de Salim Nourallah, Menkena, RTB2 y el artista de raíces Wesley Geiger. www.dovetailband.com. - ZVENTS.COM

Hoy marca el lanzamiento en iTunes del álbum debut de Dovetail, Mount Karma. Con ambiente de sobra, los hippie-rockers de Dallas ofrecen doce pistas o un sol con influencias del rock clásico y el pop.

Mount Karma fue producido por el gurú de Dallas Beau Bedford, un hombre que ha estado escribiendo / interpretando / diseñando un impresionante ejército de big bluesy pop y rock & amp roll a prueba de 100 con la combinación perfecta de soul, grit y spit-shine. Junto a Dovetail, Bedford es responsable de los esfuerzos más recientes de Larry g (EE), The Roomshounds y Kirby Brown, todos ellos, récords que insisten en subir hasta el '11. Vea la presentación en vivo de Dovetail de "Julie", filmada desde la cabaña de Bedford en la zona rural del norte de Texas. - El BLOG del espectáculo majestuoso

A primera vista, los chicos de Dovetail parecen venir de otra década. Vestidos con bufandas retro, chalecos y numerosas piezas de joyería, estos tipos parecen dirigirse a Woodstock. Pero el nuevo álbum de Dovetail, Mount Karma, no se exagera con la vibra de finales de los sesenta. En cambio, la banda toma prestado ligeramente de las partes favoritas de la historia musical, mezclándolo con amplias partes pop.

Han pasado cuatro años desde el lanzamiento del EP Love is War de Dovetail, y los chicos han trabajado duro escribiendo, interpretando y afinando las pistas que componen su primer álbum de larga duración, que con orgullo están lanzando de forma independiente. La banda ha encontrado su sonido entre entonces y ahora, madurando y descubriendo qué funciona y qué no. Las armonías son ricas y de tono perfecto, el sonido orgánico.

A lo largo del disco de 12 pistas, es evidente que los chicos son pulidos y versados ​​en lo que se necesita para hacer que una canción sea pegadiza. Se mueven del verso al coro sin problemas mientras atraen al oyente. Su sonido no es demasiado complicado, pero tampoco demasiado simple. Mount Karma camina sobre la línea y lo hace bien.

La fuerza impulsora detrás de todo el álbum es la voz del cantante Philip Creamer, que suena inquietantemente similar a la de Tom Chaplin del grupo post-Britpop Keane. Pero a diferencia de Chaplin, la voz de Creamer tiene más energía detrás, algo parecido a Matthew Bellamy de Muse, pero menos estilísticamente operístico y épico. Creamer puede alcanzar esas notas altas con facilidad, pero cuando intenta elevarse a alturas vocales aún mayores, es cuando lo escuchamos alcanzar sus límites. Es refrescante ver a un vocalista que no le teme a la imperfección. Las voces aportan humanidad al disco, en lugar de autoajustar los defectos. Su honestidad hace brillar el disco.

Dovetail celebra el lanzamiento de Mount Karma el sábado 24 de marzo en el Teatro Granada junto con Salim Nourallah, Menkena y RTB2. Los titulares de entradas recibirán una copia gratuita del álbum.

Pistas clave para escuchar: "The Road", "Mount Karma", "Hurricane" y "Heavy". - Noticias de Pegasus - Dallas

“Es un paisaje sonoro desenfrenado de sensibilidades pop atemporales con voces triunfantes en falsete, toques de piano flotantes y ritmos limpios y conmovedores. La voz de Philip Creamer roza el territorio de Freddie Mercury, golpeando las penetrantes notas octavales fuera del estadio. Gracias al hermano menor Daniel Creamer, las melodías del piano son más clásicas que la novedad de Fairweather, lo que complementa las líneas de bajo con infusión de pop de los años 60 de Scott Lee y los agudos rat-tat-tats de Aaron Haynes. ”- REVISTA ENVY - DALLAS

“Con un sonido conmovedor similar al de los Black Crowes y una presencia psicodélica que te lleva de regreso a los días de T-Rex, Dovetail te toca la fibra sensible con sus hermosas letras y su asombrosa combinación de armonías.
Dovetail lanzó su primer EP titulado "Love is War" hace dos años, y ahora se está preparando para lanzar su primer álbum de larga duración, "Mount Karma". La banda trabajó en estrecha colaboración con el productor nativo de Texas Beau Bedford, quien es más famoso por escribir canciones junto a Angelo Petraglia (escritor / productor de Kings of Leon) y Robinson (escritor / productor de Black Crowes).
"Mount Karma" fue un proceso de dos años en el que la banda creció en su música, así como en los miembros de la banda. De cuatro a siete: Daniel Creamer (Teclas / Voz), Phillip Creamer (Voz / Guitarras), Aaron Haynes (Batería), Scott Lee (Bajo), Tucker Cauble (Guitarras principales / Voz de acompañamiento), Beau Bedford (Voz de acompañamiento / Guitarra ) y Matthew McDonald (coros / percusión).
Con la capacidad de alcanzar notas agudas, la poderosa voz del líder Creamer a menudo se ha comparado con la de Freddie Mercury de Queen. Mira la interpretación íntima de su tema destacado, "Can’t Feel You", y sabrás a qué me refiero ". - BLOG DE PR DE LAFAMOS


"Entonces Dios dijo:" Toma mi cerveza "": la historia interna de la noche que cambió los clubes de Los Ángeles para siempre

El 11 de marzo, la noche en que la NBA canceló su temporada y Tom Hanks y Rita Wilson anunciaron que habían contraído el COVID-19, casi todos en un club nocturno sospechaban que se avecinaba algo terrible. En el lapso de poco más de un día, una ciudad llena de música en vivo, bares llenos y clubes nocturnos sudorosos se oscureció. Con ellos se fue toda una economía cultural que, para muchos de los empleados allí, era toda su vida y sustento.

Mientras California se prepara para reabrir negocios tentativamente, la música en vivo y la vida nocturna son dos de las industrias que aún están en pausa total. El Hollywood Bowl está vacío por primera primavera en casi un siglo. En toda la ciudad y el país, es probable que los conciertos no regresen durante el resto del año. Los Ángeles apenas está comenzando a procesar la pérdida, económica, cultural y personal, que ocurre cuando los lugares cierran, los artistas se alejan y los creadores de escenas luchan por mantenerse en contacto.

The Times habló con los propietarios, el personal y los artistas en cuatro prominentes clubes independientes: McCabe's Guitar Shop, un lugar popular en Santa Monica the Troubadour, el legendario rock incondicional de WeHo Sound, un club de techno en Hollywood y el Satellite, un indie y alternativo. club de comedia en Silver Lake. Sintieron la confusión y el miedo de esa noche tanto como cualquiera en la ciudad, y sus recuerdos de los últimos meses y sus percepciones sobre un futuro incierto forman esta historia oral de uno de los períodos más surrealistas y premonitorios de la historia de la música de Los Ángeles.

1. 11 DE MARZO: "ESTO NOS VA A MATAR"

Jeff Wolfram, propietario del Satellite: Lo estábamos haciendo muy bien. Tuvimos dos noches de baile los fines de semana y estábamos tratando de concentrarnos en bandas más nuevas. Cuando se canceló SXSW [el festival South by Southwest en Austin, Texas], pensé que esto podría ser algo. Se siente tonto ahora, pero no me di cuenta de que iba a ser tan importante como lo fue.

Kora Peterson, productora de eventos de McCabe's Guitar Shop: Este año estaba comenzando tan bien. Tuvimos a Rufus Wainwright durante tres noches haciendo su programa Audible. Teníamos a Winona Judd. Teníamos este espectáculo de Holly Near con entradas agotadas y Alejandro Escovedo y Hiss Golden Messenger se acercaban. Sentí que el arco de este año fue genial, con la gente que estábamos incorporando en el calendario. Fue muy triste para mí tener que desmantelarlo.

California está reabriendo lentamente, lo que brinda la esperanza de que pronto pueda ver a su artista favorito en concierto. ¿Pero desde un escenario de arena? ¿Una pantalla de computadora? ¿Un autocine?

Kobi Danan, propietario de la discoteca Sound: Tuvimos tres espectáculos con entradas agotadas en el club ese fin de semana, promocionamos un espectáculo en el Santuario y se vendieron 15.000 entradas para el festival Art of the Wild en Las Vegas. Hacíamos 220 shows al año, el 90% se agotaron. Teníamos 35 espectáculos planeados alrededor de Coachella. 2020 se perfilaba como el mejor año de nuestra empresa. Entonces Dios dijo: "Sostén mi cerveza".

Christine Karayan, directora general del Trovador: Realmente no estaba prestando atención al resto del mundo, porque cuando haces jornadas de 12 horas, estás un poco aislado. Empezamos a recibir llamadas telefónicas antes del show Glass Animals. "¿Sigue sucediendo?" "Si seguro." Entonces pensamos: "¿Estamos haciendo el programa? Está bien, vamos a hacer el espectáculo. Estará bien."

Ashanti Rogers, gerente de bar del Satellite: Estaba tratando de no agobiar a [Jeff], pero cuando la NBA cerró, fue como "uh oh", y al día siguiente dos bandas cancelaron. Realmente no se entendió hasta después del fin de semana cuando el gobernador dijo que no había grupos de más de 250, luego 50, luego 10. Dije: “Esto nos va a matar, no somos esenciales. Seremos lo primero en cerrar ".

Karayan: Recuerdo que mi esposo decía: "Tienes que tener cuidado". Yo digo: "Estás exagerando todo esto. Todo va a estar bien ". La audiencia estaba emocionada de estar allí. No había, "¿Es seguro entrar?" Recuerdo que llegué a la oficina después y pensamos: "Algo extraño está sucediendo". Podías sentir que algo cambiaba.

Peterson: Esa semana tuvimos We Five y Kinky Friedman, y antes de que [los funcionarios] dieran la palabra que prohibía las reuniones masivas, desconectamos nuestros programas. No queríamos ser parte del problema. Hablé con el mánager de Kinky y me dijo: "¿Cómo quieres jugar esto? Estaremos encantados de hacer el programa si así lo desea ". Dije: "Nos encanta Kinky, así que me rompe el corazón hacer esto, pero no podemos". Muchos de nuestros clientes son mayores y no queríamos que se sintieran incómodos.

Dave Bayley, cantante de Glass Animals, la última banda que tocó en el Troubadour: Justo antes de continuar con el bis, mi manager de gira, Tom, se me acercó y me dijo: “Este será el último espectáculo al que alguien vaya en Los Ángeles en mucho tiempo. ¿Quieres decir algo al respecto a la multitud? " Yo estaba como, “Absolutamente no. Eso va a enviar una oleada de pánico entre la multitud ". Solo pensé: "Tengo que esforzarme al máximo por estas últimas canciones". Sentí que tenía la responsabilidad de hacer feliz a la gente durante los últimos 15 minutos de música en vivo en L.A.

Charley Tichenor, cantante de Dirty Cakes, el último cabeza de cartel del Satellite: Incluso mientras nos preparábamos para el espectáculo, los camareros no aceptaban dinero en efectivo y llevaban guantes. Pedí agua y fui a estrecharles la mano y me dijeron: "No te voy a tocar". Llevo 15 años tocando en vivo. Nunca antes había tenido esa conciencia de vivir en medio de algo. Teníamos una cola en la puerta para entrar, y al final de la noche, tal vez había 20 personas en la habitación. La gente salió a fumar cigarrillos y nunca regresó.Terminó siendo la última resistencia.

2. THE FALLOUT: "HOLLYWOOD ES UNA CIUDAD FANTASMA"

Bayley: Después de Los Ángeles, tuvimos a San Francisco. Normalmente hay mucha gente caminando por todas partes, pero era casi como un zombi. Así que simplemente vaciamos todas nuestras cosas en el medio de la calle para ponerlas en un camión que nos las iba a almacenar, porque no sabíamos cuándo regresaríamos.

Spencer Sutherland, cantautora, contratada para tocar el 12 de marzo en el Troubadour: Fue brutal, hombre. Se perfilaba como el mayor espectáculo principal de mi carrera. Y tuvimos algunos invitados muy especiales que vinieron a cantar conmigo y mucha gente de la industria. Simplemente iba a ser una noche mágica, pero COVID tenía otros planes.

Karayan: Llegamos el lunes y dijimos: "Vaya, tenemos que cancelar el resto del mes, porque sea lo que sea, es claramente malo". Nadie sabía qué hacer. En mi mente, estaba como, "Veamos si podemos mover todos estos programas de marzo. Tenemos algunas lagunas aquí y allá durante el verano. Veamos si podemos trasladarlos a junio ". Tuvimos un par de hoyos en abril. Y luego, disculpe mi francés, la mierda golpeó el ventilador.

"Pig Feet" de Terrace Martin se grabó la semana pasada y cuenta con Kamasi Washington, Denzel Curry, G Perico y Daylyt.

Esperanza Riskin, copropietaria de McCabe's Guitar Shop: Tuvimos que despedir a todos nuestros trabajadores de conciertos. Todos eran trabajadores de conciertos. Fue desgarrador. Bob [Riskin] y yo somos los dueños de la tienda, y nos quedamos en casa, atónitos, durante dos semanas. Estábamos mirando las paredes y preguntábamos: "¿Cómo vamos a abrir de nuevo?" Ya no somos jóvenes secuestradores. Ambos tenemos más de 70 años. Entonces, ¿deberíamos ir a la tienda? ¿No deberíamos ir a la tienda? ¿Cerramos la tienda? Hay un 30% de posibilidades de que lo consigamos. No es agradable pensar de esa manera, pero esa es la verdad. ¿No es eso horrible?

Wolfram: Pasamos mucho día bebiendo. Veníamos a trabajar todos los días como, "Está bien, pintaremos, haremos algunas cosas, no hay dinero, así que lo haremos lo más barato que podamos". Trabajábamos dos horas y luego tomábamos una cerveza. En realidad, fue un poco deprimente.

Artie Sinaplidis, director general de sonido: No pensé que duraría tanto. Pensé que serían dos meses y seguiríamos con nuestras vidas.

Shailee Ben-David, barman, sonido: No hacer algo físicamente me volvió loco. Pero tienes relaciones con las personas que vienen a ser atendidas por ti. Sound armó un GoFundMe y la cantidad de personas que donaron fue increíble. Nos ha ayudado a todos a pagar el alquiler.

Wolfram: Nos espera una época realmente mala. Apenas sobrevivimos. Ni siquiera estamos sobreviviendo realmente. Se está volviendo difícil pagar los servicios públicos y comenzamos un GoFundMe para nuestros empleados, pero en este momento, no estoy 100% seguro de que lo logremos.

Riesgo: La comunidad sigue llamando, diciendo: "Vas a reabrir, ¿verdad?" Digo: "Lo estamos intentando, lo estamos intentando". Hubo un momento en el que pensamos que no lo haríamos. La primera ronda del [Programa de protección de cheques de pago], no la obtuvimos. Y las ventas en este momento no nos mantienen en marcha, ni siquiera en la acera. Lo conseguimos en la segunda ronda. Ese préstamo es lo que nos permite seguir adelante y poder pagar a nuestros empleados.

Ben-David: La gente hace [música] por pasión. La mayoría no gana dinero con eso. Esta experiencia ha demostrado cuánta comunidad todavía tenemos para la música. La gente está donando a los lugares, pero no sabemos cuánto tiempo va a durar.

Danan: Las personas en nómina todavía están en nómina, pero las personas que trabajan por horas, como seguridad, camareros, fueron las más afectadas. Es toda una industria que se basa en tantas piezas móviles y todas desaparecieron en 24 horas. Hollywood es una ciudad fantasma absoluta. Nunca había visto nada igual.

Sinaplidis: Se siente como la "zona desconocida" aquí. Ya he perdido la noción de qué día es.

Danan: No creo que la gente sepa lo importante que es [la música] para la economía. No entienden cuántas vidas soporta esto.

Wolfram: La gente piensa: "Oh, tienes un lugar, debes ser rico". No, en absoluto. En cada lugar pequeño, operamos en los márgenes de los restaurantes. No gana dinero, pero lo hace porque lo ama. Me comuniqué con el [Representante] Adam Schiff y las organizaciones para conocer los lugares y ha habido mucho entusiasmo. Live Nation y Goldenvoice estarán bien, pero los lugares independientes están jodidos.

Tichenor: Hay personas que huyen de la ciudad, por problemas económicos o de alquiler o problemas de salud. Clubes en los que teníamos conciertos, los edificios están a la venta. No sé si las cosas se recuperarán, porque no todo estará ahí. Conozco personas que han muerto por drogas o suicidio desde que esto sucedió, que iban a espectáculos cinco noches a la semana. Estar en una audiencia fue una de las últimas cosas que los mantuvo unidos.


Contenido

Formación Editar

Después de graduarse de la escuela secundaria en 1981, Steve Perry dejó su ciudad natal de Binghamton, Nueva York, para ir a Eugene, Oregón, para seguir el campo y obtener una licenciatura en química en la Universidad de Oregón. [1] [2] Un devoto del punk rock desde la adolescencia, Perry pronto se enfrascó en la escena musical underground de Eugene, donde finalmente conoció y se hizo amigo del músico y compañero estudiante universitario Dan Schmid. Compartiendo ambiciones musicales similares y un desinterés mutuo en la escuela, la pareja acordó abandonar la universidad juntos y formar una banda, formando el trío punk The Jazz Greats en 1983, que se convirtió en el grupo de garage rock de estilo Paisley Underground, Saint Huck, que duró de 1984 a 1987. [3] [4]

A medida que el auge del grunge comenzó a eliminar el punk y el hardcore del underground del noroeste a fines de la década de 1980, Perry se propuso comenzar una banda que contrastara desafiante con la actitud de mirar los zapatos del rock alternativo, mostrando música dance de alta energía y estilo Zappa. teatralidad en un intento de crear algo a lo que la audiencia reaccionaría visceralmente en lugar de pasivamente. [5] [6] [7] Reclutando una sección de trompetas dirigida por el saxofonista alto Brooks Brown, Perry y Schmid formaron su última banda, Mr. Wiggles, llamada así por una canción del Parlamento, en noviembre de 1988, tocando su primer show en Springfield como parte de un concierto benéfico para los trabajadores de la planta de fabricación de puertas de Nicolai, que luego participaron en una huelga sindical. [4] [5] [8] [9]

"Mi concepción del punk", dijo Perry. El cohete, "estaba haciendo lo que demonios quisieras siempre y cuando tuviera vitalidad y no fuera demasiado estúpido. Algo exploratorio y experimental", citando la influencia de bandas de géneros como The Clash y Meat Puppets. [1] [8] En su primera encarnación, el Sr. Wiggles tocaba música funk y soul con inflexión punk, aunque la composición de Perry pronto creció y se basó en gran medida en un nuevo interés por el jazz, el swing y el rhythm and blues, que combinaba arreglos de punk rock y jazz. en lo que Perry describió fue el deseo de contemporizar la música de raíz estadounidense infundiéndola con energía punk y utilizando un lirismo modernista y socialmente consciente. [5] [10]

Primeros años (1989-1993) Editar

En 1989, el título de Mr. Wiggles se retiró cuando la banda cambió a un nuevo nombre, "Cherry Poppin 'Daddies", derivado de una letra jive que la banda había escuchado en un disco de carreras vintage. [11] La banda tocó en su primer show como Cherry Poppin 'Daddies the W.O.W. Hall en Eugene el 31 de marzo [4].

The Daddies buscaron diferenciarse de otras bandas de rock del noroeste de la época al tener una sección de trompetas, presentando extravagantes teatrales y animando a su público a bailar. [1] Mientras Perry hablaba de la ideología de los papás, "Era nuestra manera de decir 'jódete' [a la 'falsedad' del rock alternativo]. Queríamos divertirnos, escandalosamente divertirnos sin ni siquiera pensar en ello". [12] [13] No obstante, a finales de 1989, los Daddies habían construido un público fuerte y leal dentro de la contracultura de Eugene, con frecuencia vendiendo espectáculos y obteniendo elogios de la crítica ". [14] [15]

The Daddies grabaron su primer casete de demostración 4 desde lo alto en julio de 1989, que incluía cuatro pistas de funk rock y swing con influencia punk. El casete vendió más de 1,000 copias en las áreas de Eugene y Portland, lo que permitió a la banda autoproducir su LP debut. Ferozmente apedreado, lanzado al año siguiente. [16] Fusionando punk rock y trompas de jazz con ritmos funk, Ferozmente apedreado generó comparaciones críticas favorables con los contemporáneos Faith No More y Red Hot Chili Peppers y al mismo tiempo se convirtió en un éxito de ventas regional. El álbum estableció un récord de ventas anticipadas en las tiendas de discos de Eugene y se mantuvo durante más de un año. El cohete's Lista de los veinte mejores del noroeste. El álbum ayudó a expandir el alcance de las giras del noroeste de los papás hasta Alaska y Los Ángeles en 1992. [2] [17] [18]

Controversias y censura Editar

Las primeras actuaciones de Cherry Poppin 'Daddies' a menudo incluían disfraces extravagantes, bailarines go-go, escenarios fálicos, parodias llenas de utilería o números de baile coreografiados. [14] [19] Perry, que entonces actuaba bajo su personaje de científico loco de "MC Large Drink" [20], solía participar en acrobacias absurdas de rock de choque, como la crucifixión simulada y la quema de banderas. [19] [21] [22] Uno de los accesorios escénicos de la banda se conocía como "Dildorado" o "The Dildozer", una cortadora de césped modificada para parecerse a un pene humano que imitaba la eyaculación disparando fluidos coloridos desde su punta. [21] [23]

La banda atrajo la controversia de los grupos feministas, que condenaron las actuaciones de la banda como pornográficas, citando su nombre y lirismo con carga sexual como una promoción del sexismo y la misoginia. Perry disputó tales afirmaciones, defendiendo los elementos controvertidos como una sátira malinterpretada. [19] [24] [25] ¿En qué Eugene semanal Llamado "el tema más discutido en la escena musical local" y "el punto de inflamación de Eugene para el creciente debate nacional sobre la censura [y] la libertad de expresión", los Daddies experimentaron una controversia que casi puso fin a su floreciente carrera. [19] Los grupos de protesta de vigilantes habitualmente derribaban o desfiguraban los carteles de la banda y buscaban boicots contra lugares que contratarían al grupo e incluso periódicos que les dieran una crítica positiva. [26] Los conciertos de The Daddies se convirtieron habitualmente en lugares de piquetes organizados y, en una ocasión, en una amenaza de bomba. [8] [19] [27] Los propios miembros de la banda eran receptores frecuentes de correo de odio, amenazas y acoso físico: una vez, afirmó Perry, un manifestante airado le arrojó una taza de café caliente en la cara mientras caminaba por la calle. [7] [8]

Los Daddies inicialmente se negaron a cambiar su nombre por motivos de libertad artística, pero varios lugares se negaron a reservarlos debido a la publicidad negativa. La banda fue expulsada temporalmente de W.O.W. Hall, donde anteriormente habían servido como banda de la casa. [1] El grupo luego cedió a la presión de la comunidad y actuó bajo el nombre de "The Daddies", "The Bad Daddies" y variaciones similares dentro de Eugene, pero actuó bajo su nombre original mientras estaba de gira en otros lugares. [19] [28] [29] Cuando los Daddies retiraron los elementos teatrales de sus espectáculos en vivo posteriores, las controversias en torno a la banda se desvanecieron y volvieron a usar su nombre completo en todas partes. Algunas quejas menores resurgieron durante su éxito generalizado a fines de la década de 1990. [30]

Éxito independiente y de giras nacionales (1994-1996) Editar

A principios de la década de 1990, los Daddies continuaron siendo un atractivo confiable y rentable en el circuito de clubes del noroeste del Pacífico y el norte de California. A pesar de obtener elogios de la crítica de la prensa musical local, incluido el haber ganado SF semanal Con el título de "Mejor banda sin firmar" en 1994, [31] The Daddies lucharon por lograr un mayor reconocimiento y distribución. [32] Tras una serie de cambios en sus alineaciones de miembros y directivos, el grupo se embarcó en su primera gira nacional en el otoño de 1994, que se destacó con un set en el festival y convención CMJ Music Marathon en la ciudad de Nueva York. [15] [18] Al regresar a Eugene sin ningún trato ventajoso, los Daddies compraron y construyeron su propio sello discográfico y estudio de grabación independientes, Space Age Bachelor Pad Records, donde autoprodujeron y autograbaron su segundo álbum de estudio. Coche del músculo de Rapid City, que fue lanzado en diciembre de 1994. [15] [33] Descrito por Perry como "un álbum de ideas" [34] y "muy psicodélico", [33] Coche del músculo de Rapid City fue una clara desviación del ambiente alegre de la música dance de Ferozmente apedreado, que muestra una amplia gama de géneros dispares que incluyen ska punk, rock psicodélico, country, rockabilly, big band, hard rock y lounge. [13] [35] Si bien Perry ha citado retrospectivamente Coche del músculo de Rapid City como su álbum favorito de Daddies, reveló en una entrevista de 1995 con el Los Angeles Times que el álbum se vendió "bien" pero al final no superó el éxito de Ferozmente apedreado. [33] [34] [35]

The Daddies comenzaron a dedicarse a las giras a tiempo completo en 1995, tocando en más de 200 espectáculos en dos o tres giras nacionales por año, incluidos lugares en importantes festivales de música como South by Southwest en Austin, Texas. [15] [18] [36] [37] A medida que la banda construyó gradualmente bases de fans y mercados en todo el país, finalmente comenzaron a atraer el interés de numerosos sellos discográficos y productores de alto perfil, entre los que, según se informa, se encontraban Hollywood Records, Roy Thomas Baker y Terry Ellis. [13] [15] Sin embargo, cuando se hizo la sugerencia o estipulación de que los Daddies se apegaran a un género, Perry invariablemente rechazó estas ofertas, no queriendo que ninguna influencia externa controlara el sonido de la banda. [15] [34] [38] Con una mentalidad similar, sin querer encasillarse en ninguna escena o género específico, Perry al principio se negó a hacer una gira con bandas de ska, aunque después de una gira muy exitosa y bien recibida con Fresno. la banda de ska Let's Go Bowling, accedió, y los Daddies finalmente se hicieron un hueco lucrativo dentro de la escena nacional del ska, formando colaboraciones de gira con artistas como The Mighty Mighty Bosstones, Reel Big Fish y Less Than Jake. [15] [18] [39] [40]

Si bien el creciente enfoque de la corriente principal en el punk y el ska a mediados de la década de 1990 presentó a los Daddies con más oportunidades comerciales, Perry aún insistía sobre todo en mantener un control creativo completo de la banda. [15] En febrero de 1996, los Daddies lanzaron su tercer álbum de estudio autoproducido en Space Age Bachelor Pad, Niños en la calle. Otra salida musical de su disco anterior, Niños en la calle fue principalmente un reflejo de las crecientes influencias punk y ska de la banda, evitando el característico funk cobrizo y swing de los Daddies en favor del rock, el punk y el ska impulsados ​​por la guitarra, así como los desvíos estilísticos hacia el jazz y el country. [33] Distribuido por el conocido sello independiente Caroline Records, Niños en la calle terminó convirtiéndose en el lanzamiento más exitoso de los papás en ese momento, permaneciendo en El cohete Ventas minoristas Top Veinte durante más de siete meses e incluso se abrió camino en Piedra rodante Gráficos alternativos. [18] [41]

Zoot Suit Riot y años de las principales discográficas (1997-1999) Editar

A finales de 1996, el ska se había abierto paso en la corriente principal estadounidense como una de las formas más populares de música alternativa, catapultando a bandas de sellos importantes como Reel Big Fish y The Mighty Mighty Bosstones al centro de atención nacional. [42] The Daddies, sin embargo, sin el apoyo de un sello discográfico, finalmente se quedaron al margen de la visibilidad comercial. A pesar de que Niños en la calle se había vendido bien para un lanzamiento independiente, la banda tenía continuas dificultades para asegurar la prensa y la distribución fuera del noroeste, mientras que la presión de las giras de tiempo completo se estaba convirtiendo inevitablemente en una tensión tanto personal como financiera para los miembros. [43] The Daddies experimentaron al menos quince cambios en la formación de 1996 a 1997, incluida la salida del tecladista original Chris Azorr y el cofundador Dan Schmid, dejando solo a Perry y al trompetista Dana Heitman como los únicos restos de la formación original. . [27] Sintiendo que finalmente habían alcanzado un techo de cristal como banda independiente, Perry dijo que los Daddies se quedaron con una de dos opciones en este momento: firmar con un sello discográfico o separarse. [10] [43]

A pesar de tocar principalmente en giras de ska durante este período turbulento de su carrera, los Daddies de repente comenzaron a atraer a una audiencia considerable y entusiasta para su música swing, debido en gran medida al interés público coincidente en el movimiento de resurgimiento del swing, anteriormente underground, debido en parte al éxito de la banda. Película de 1996 Swingers. [44] Aunque los Daddies habían tocado ocasionalmente en shows con bandas notables de resurgimiento de swing como Royal Crown Revue, no estaban asociados en gran medida con la escena o subcultura cuando los fanáticos comenzaron a acercarse regularmente a la mesa de productos de la banda preguntando cuál de sus álbumes contenía la mayor cantidad de canciones de swing. los papás se dieron cuenta de que carecían de un álbum que representara plenamente su lado swing, lo que llevó al manager de la banda a convencerlos de que compilaran todas sus canciones swing en un CD hasta que pudieran permitirse hacer un nuevo álbum, usando sus finanzas disponibles para grabar varias pistas adicionales para inclusión. [6] [45] [46] [47] El resultado, Zoot Suit Riot: The Swingin 'Hits of the Cherry Poppin' Daddies, se convirtió en un artículo inesperadamente popular cuando la banda se fue de gira, vendiendo hasta 4.000 copias a la semana a través de sus distribuidores del Noroeste. [6]

Mientras se detuvieron en Los Ángeles durante otra gira juntos, Reel Big Fish organizó una reunión entre su sello Mojo Records y los Daddies con la esperanza de ayudar a la banda a obtener un acuerdo de distribución para Zoot Suit Riot. [37] [47] Sin embargo, tras las negociaciones entre Perry y Mojo, el sello firmó un contrato de grabación de dos álbumes con los Daddies. [46] [47] Zoot Suit Riot fue licenciada y reeditada por Mojo y distribuida a nivel nacional en julio de 1997, menos de cuatro meses después de su lanzamiento original.

Avance de la corriente principal Editar

A medida que la música swing ganaba impulso comercial a lo largo de 1997, las ventas de Zoot Suit Riot aumentó dramáticamente en diciembre, Mojo movía 12,000 unidades por semana. [47] En enero de 1998, el sello informó a los Daddies de su decisión de impulsar la canción principal del álbum como un sencillo principal y distribuirlo entre las principales estaciones de radio.[47] The Daddies, que estaban comenzando a trabajar en su próximo álbum de estudio, protestaron con vehemencia por este movimiento, creyendo que una canción de swing nunca se reproduciría en el aire y les preocupaba que la banda tuviera que recuperar los costos de marketing. [8] [43] [46] Mojo, sin embargo, persistió y, para sorpresa de la banda, "Zoot Suit Riot" pronto encontró una rotación regular en estaciones como la influyente KROQ-FM de Los Ángeles, lo que ayudó a establecer la música swing en la corriente principal y líder a su eventual avance comercial, con los Daddies a la vanguardia. [48] ​​[49] A mediados de 1998, los Daddies se habían convertido en una de las bandas más exitosas del resurgimiento del swing: después de escalar al número uno en Cartelera's Top buscadores de calor, Zoot Suit Riot se convirtió en el primer álbum del renacimiento del swing en alcanzar el Top 40 en el Cartelera 200, alcanzando el puesto 17 y pasando un total de 53 semanas en las listas. [50] En junio de 1998, el álbum había vendido 500.000 copias en los Estados Unidos, superando las ventas de 1,4 millones en agosto. [47] [51] [52]

De repente, se encontraron con una gran demanda, los Daddies inmediatamente comenzaron a hacer giras nuevamente. Pasando la mayor parte de 1998 y 1999 de gira, la banda tocaba ahora cerca de 300 shows al año, realizando giras de cabeza de cartel y de apoyo en los Estados Unidos mientras viajaba internacionalmente como una de las cabezas de cartel del Warped Tour de 1998 junto a Rancid. NOFX y Bad Religion. [53] Para entonces, las condiciones de gira del grupo habían mejorado enormemente, lo que atrajo a Dan Schmid, que originalmente había dejado la banda debido a problemas de salud, a regresar como bajista de los Daddies a pedido de Perry. [54]

Aunque los Daddies estaban experimentando el éxito comercial bajo la apariencia de revivalistas swing, habiendo sido declarados los "líderes" del movimiento por Piedra rodante, la banda se opuso abiertamente a ser etiquetada como un acto retro con la exclusión de sus influencias dominantes ska y punk y el lirismo modernista. [17] [53] [55] Aunque seguían siendo partidarios tanto del renacimiento del swing como de sus bandas, los Daddies trataron rotundamente de disociarse de la escena del swing y, en particular, de su mentalidad basada en la nostalgia: Perry explicó a Girar en julio de 1998, "no es nuestra misión ser una banda de swing. No soy un tipo de los años 40. Por eso tocamos ska y usamos guitarras pesadas", [56] y señaló en otra parte "No puedo llevarnos del todo fuera de la clasificación retro, pero insistimos en que somos música contemporánea ". [17] Por lo tanto, los Daddies evitaron viajar con bandas de swing, seleccionaron al grupo de rock latino Ozomatli y a la banda de ska / soul The Pietasters como apoyo en su primera gira por Estados Unidos, y abrieron para la banda de rock argentina Los Fabulosos Cadillacs en su gira de 1998 por América del Norte. [48] ​​[57] En un momento, los Daddies intentaron organizar una gira con Primus que nunca se materializó. [55] Dijo Perry: "Sé que hay personas que vienen a nuestros shows a quienes no les gustaría nada más que tocar. swing 24/7. Hay muchas bandas que quieren ser bandas de swing y solo bandas de swing. Estamos tratando de encontrar al público que nos permita escribir canciones y ser quienes somos ". [58]

—Steve Perry, comentando la estética retro del renacimiento del swing, 2016 [59]

Durante el apogeo de la popularidad de los papás, Perry descubrió que la notoriedad de la banda estaba causando un efecto alienante en su vida personal, alegando que había cambiado negativamente sus relaciones con amigos e incluso lo había sometido a abucheos ocasionales de extraños que lo reconocían en público. [60] [61] Más tarde recordaría: "Es un cliché total, pero [la fama] no te hace feliz. Faltan muchas cosas. El éxito le ha dado a la gente el derecho a gritarme en la calle, pero no Realmente siento que me ha dado alguna dignidad ". [62] Ya sintiéndose agotado por las constantes giras de los papás, la frustración de Perry solo se vio agravada por el persistente rechazo de los papás por parte de los medios como un acto retro novedoso, aunque luego afirmó haberse sentido presionado para mantener la imagen debido a la audiencia y los medios. Expectativas. [58] [61] [63] Cuando la banda comenzó a enfrentar críticas y acusaciones de venderse por parte de su base de fans del Noroeste, [64] [65] los Daddies lucharon para alejarse aún más de su encasillamiento convencional: en una entrevista de 1999, Respondiendo a su lugar en la escena del swing, Perry replicó "[vamos] sin pedir disculpas a tocar ska directamente en la cara de la gente que quiere escuchar el swing". [66]

Zoot Suit Riot había vendido más de dos millones de copias en los Estados Unidos cuando la popularidad del swing revival había declinado, finalmente saliendo de las listas en enero de 2000. [3] Con su agenda de giras finalmente llegando a su fin, los Daddies comenzaron a trabajar en su siguiente Album de estudio.

Soul Caddy y el declive general (2000) Editar

En el otoño de 1999, los Daddies regresaron al estudio para grabar su cuarto álbum, Soul Caddy. Un álbum conceptual suelto que refleja la desilusión de Perry por el zeitgeist cultural y su experiencia con la fama (como él lo describió, un disco "agridulce" sobre "estar alienado y esperar conectarse" [61]), Soul Caddy marcó una continuación del formato musicalmente variado de la banda, con la intención de presentar una perspectiva más real del sonido y la personalidad de los Daddies tanto a sus fanáticos basados ​​en el swing como a una audiencia más amplia. [63] [67] [68] Partiendo del rock y el pop de las décadas de 1960 y 1970, Soul Caddy entretejió swing y ska con glam rock, soul, pop psicodélico, folk y funk. [62] [69] [70]

A pesar de permitir a los papás el control creativo sobre su producción, la respuesta de Mojo a Soul Caddy fue considerado tibio en el mejor de los casos. [69] Afirmando que el nuevo material no era como "los Cherry Poppin 'Daddies que la gente conoce y ama", el sello hizo poco para promover ni el álbum ni su sencillo de estilo glamoroso "Diamond Light Boogie", y en un momento lanzó este último. sin el nombre de la banda, supuestamente debido a las dudas sobre la comercialización de un sencillo de rock de una banda conocida principalmente por la música swing. [71] [72] Prácticamente sin publicidad detrás, Soul Caddy fue lanzado silenciosamente en octubre de 2000. Conocido por un público que en gran parte desconocía el origen ecléctico de los papás, Soul Caddy fue recibido negativamente tanto por los fanáticos como por los críticos, una de las críticas más frecuentes es su falta de pistas de swing. [73] Algunos críticos criticaron a la banda por lo que se consideraba un abandono de sus "raíces" del swing en favor de un sonido más moderno, [74] mientras que algunos criticaron la estética musical completa de los Daddies: la de UGO. Hip en línea declaró sin rodeos, "cubrir cinco o seis géneros en un álbum es una locura". [75] El Noticias diarias de Los Ángeles metido Soul Caddy en su lista de los 10 peores álbumes de 2000, el crítico se pregunta qué hizo que una banda de swing "pensara que podría salirse con la suya con un álbum de pop psicodélico reciclado". [76]

A pesar de algunos elogios moderados de la crítica, incluida una crítica entusiasta de AllMusic, quien calificó la variedad de sonidos "impresionantemente sorprendente" del álbum "refrescante proveniente de una banda que se suponía que era swing retro genérico", [77] Soul Caddy no logró el éxito gráfico o la atención comercial de su predecesor. La gira nacional de acompañamiento de The Daddies fue igual de mal, mostrando una marcada disminución en la asistencia, mientras que el público reaccionó desfavorablemente hacia la disminución del enfoque de la banda en tocar música swing. [65] Hablando retrospectivamente en una entrevista de 2002, Perry recordó "salimos de gira y la mayoría de la gente nos veía como una banda de swing debido al éxito de Zoot Suit Riot. sentíamos que esta tensión era algo que no éramos ". [65] Enfrentados a las bajas ventas de entradas y su propia insatisfacción por el resultado de la gira, los Daddies cerraron temprano su gira programada y llegaron a una decisión mutua al tomar una pausa indefinida en Diciembre de 2000. [65] "Mucho fue simplemente fatiga", explicó Perry, "Estaríamos en la carretera durante mucho tiempo y no tendríamos vida fuera de Cherry Poppin 'Daddies. Creo que todo el mundo estaba interesado en hacer otras cosas ". [78] The Daddies fueron liberados de Mojo poco después, aunque el guitarrista Jason Moss comentaría más tarde que la banda fue expulsada" a la acera "después de Soul Caddy pobre desempeño comercial. [79]

Pausa y giras limitadas (2001-2006) Editar

Con casi una década de actividad de banda a tiempo completo, los Daddies se separaron para perseguir otros esfuerzos musicales, permaneciendo activos en varias bandas locales. Más notablemente, Perry y Moss comenzaron el grupo teatral de glam punk White Hot Odyssey, lanzando un álbum en Jive Records en 2004 antes de disolverse al año siguiente, mientras que Schmid y el teclista Dustin Lanker formaron el trío de piano rock The Visible Men, grabando dos álbumes de estudio y de gira extensamente hasta su propia disolución en 2007. Por esta época, Schmid también estuvo de gira como bajista de la banda del líder de Pixies Black Francis, grabando en su álbum de 2007 Dedos azules así como grabar en el álbum homónimo producido por Francis de Pete Yorn en 2010. Lanker más tarde se unió a la banda de ska punk de California The Mad Caddies como miembro de gira, convirtiéndose finalmente en miembro permanente en 2013. El baterista Tim Donahue, después de una temporada con The Visible Men, trabajó como músico de sesión, grabando álbumes para artistas como TobyMac y Shawn McDonald y tocando en la banda de Yngwie Malmsteen para su gira europea de 2001. [80] [81]

Durante los siguientes años, toda la actividad de Daddies se suspendió aún más a medida que los miembros regresaban a sus vidas familiares y trabajos de tiempo completo, mientras que Perry decidió reanudar su educación en la Universidad de Oregon, graduándose en 2004 con un B.S. en biología molecular. [71] En febrero de 2002, después de más de un año sin tocar, los Daddies terminaron su pausa encabezando el Festival en Sandpoint en Sandpoint, Idaho, que fue seguido por una serie de apariciones esporádicas en varios festivales de música en todo el noroeste. [65] A pesar del repentino resurgimiento de la actividad, la banda no anunció resueltamente ningún plan futuro para grabar nuevo material o emprender giras extensas. [65] Favoreciendo un cambio de ritmo de sus hábitos de gira anteriormente intensivos, los Daddies comenzaron a programar sus actuaciones completamente en función del deseo y la disponibilidad personal de los miembros de la banda, tocando tan solo de ocho a diez espectáculos al año y limitando sus apariciones en gran medida a los espectáculos del noroeste. o comisiones por conciertos únicos "swingin 'hits" en varios festivales y lugares de los Estados Unidos. [65] [82]

Susquehanna y volver al sello independiente (2006-2009) Editar

Después de cuatro años de relativa inactividad mientras la banda mantenía su ritmo relajado de gira, Perry comenzó a escribir material para un nuevo álbum de Daddies a principios de 2006, afirmando haber llegado a la conclusión de una confianza catártica en la composición de canciones. [83] En una entrevista de radio de abril de 2006, confirmó que la banda se estaba preparando para grabar un nuevo álbum de estudio, y señaló que la música cubriría un nuevo territorio para los Daddies, basándose en gran medida en elementos tropicales. [84] A lo largo del otoño de 2006, la banda realizó varias pequeñas giras por los Estados Unidos, donde se estrenó gran parte de este nuevo material.

Autoproducido y grabado en Eugene durante el verano de 2007, el quinto álbum de los Daddies, Susquehanna, fue lanzado mediante descarga digital exclusivamente a través del sitio web de la banda en febrero de 2008, recibiendo un lanzamiento en CD limitado varios meses después. Tomando la forma de un álbum conceptual narrativo que Perry detalló como un retrato de "varias relaciones en decadencia", Susquehanna presentó variedades prominentes de música de influencia latina y caribeña, incorporando florituras de flamenco, rock latino y reggae en la tarifa tradicional de la banda de swing y ska. [85] [86] Si bien su lanzamiento de bricolaje de bajo perfil pasó desapercibido para los principales medios de comunicación, la respuesta de las publicaciones basadas en Internet varió de mixta a positiva, con críticos una vez más polarizados sobre la mezcla ecléctica de géneros del álbum. [87] [88] Los papás se embarcaron en otra gira de larga duración en apoyo de Susquehanna a mediados de 2008, seguida de una gira por Europa, su primera visita al continente desde 1998. [89]

En julio de 2009, los Daddies anunciaron haber firmado con el sello independiente Rock Ridge Music para el lanzamiento y distribución nacional de dos álbumes, una reedición de Susquehanna y Skaboy JFK: The Skankin 'Hits of the Cherry Poppin' Daddies, una recopilación del material ska de la banda extraído de sus primeros cinco álbumes. [90] Perry explicó que los fanáticos habían estado sugiriendo el concepto de una colección de ska durante años, y que tal álbum podría ayudar a mostrar un lado diferente de los Daddies que la personalidad de la "banda de swing" por la que generalmente son reconocidos. [89] Skaboy JFK fue lanzado en septiembre de 2009 con una recepción crítica muy positiva, seguida de más giras en 2010, llevando a los Daddies de regreso a Europa y Estados Unidos, además de aparecer junto a Fishbone y The Black Seeds en el 11 ° Victoria Ska Fest en Columbia Británica. donde la banda tocó el primer set all-ska de su carrera. [91]

Dientes blancos, pensamientos negros (2010-2013) Editar

Poco después del lanzamiento de Skaboy JFK, Perry ya comenzó a anunciar planes para el próximo álbum de estudio de los papás, revelando que la banda volvería a la música swing para su primer álbum all-swing desde Zoot Suit Riot. [92] [93] Producción inicial del álbum, titulado Dientes blancos, pensamientos negros, comenzó en marzo de 2011, aunque duró poco a lo largo del año, ya que los Daddies continuaron realizando varias giras internacionales más exitosas, incluidas dos giras separadas por Australia con entradas agotadas en 2011 y 2012. [94] [95] Durante este tiempo, el La banda experimentó cambios importantes dentro de su formación de gira después de que el teclista Dustin Lanker dejara el grupo en 2012, lo que llevó a los Daddies a decidir continuar la gira sin un tecladista en vivo. Varios meses después, el trombonista Joe Freuen fue agregado a la banda, marcando la primera vez que los Daddies habían incluido a un trombonista de tiempo completo en su alineación oficial.

A mediados de 2012, Perry finalmente elaboró ​​sobre el estado de producción del nuevo álbum, revelando que la banda había escrito suficiente material para lanzarlo. Dientes blancos, pensamientos negros como un álbum doble, que consta del álbum principal all-swing y un disco extra de canciones de rock con influencias de "Americana" en estilos que incluyen rockabilly, country, bluegrass y western swing, este último disco con apariciones especiales del acordeonista Buckwheat Zydeco en un zydeco canción y el ex guitarrista de Captain Beefheart Zoot Horn Rollo en una pista de psychobilly. [96] [97] El 20 de junio de 2012, los Daddies lanzaron una campaña PledgeMusic para ayudar a financiar las etapas finales de la producción del álbum, alcanzando con éxito su objetivo el 14 de agosto y continuando recolectando promesas hasta el año siguiente, recaudando finalmente un 133%. de su objetivo. [97] [98]

Precedido por el lanzamiento de dos sencillos y videos musicales de las canciones "I Love American Music" y "The Babooch", Dientes blancos, pensamientos negros fue lanzado de forma independiente en Space Age Bachelor Pad Records el 16 de julio de 2013. Tras el lanzamiento de bricolaje discreto y la promoción de Susquehanna y Skaboy JFK, los papás trabajaron para publicitar mucho Dientes blancos, pensamientos negros, recibiendo cobertura de los principales medios de comunicación, incluidos Cartelera y EE.UU. Hoy en día, mientras que la banda apareció más tarde en el programa KTTV propiedad de Fox Buen día L.A. para interpretar "I Love American Music", su primera aparición importante en televisión desde la década de 1990. [99] [100] [101] A pesar de no experimentar ningún éxito en las listas, el álbum recibió críticas críticas generalmente positivas, y los Daddies llevaron a cabo una breve gira por quince ciudades de los Estados Unidos durante el verano. [102]

En enero de 2014, se anunció que el Eugene Ballet había colaborado con los Daddies para la producción titulada Zoot Suit Riot, un espectáculo de baile ambientado con la música y con el acompañamiento en vivo de la banda, con rutinas de baile coreografiadas con trece de las canciones de los papás, que van desde sus mayores éxitos de swing hasta sus canciones menos conocidas de rock, pop y psicodélicas. Zoot Suit Riot tocó en el Centro de Artes Escénicas Hult de Eugene el 12 y 13 de abril de 2014. [103]

Álbumes de portadas y Zoot Suit Riot: 20th Anniversary Edition (2014-2018) Editar

Durante el período inicial de escritura y grabación de Dientes blancos, pensamientos negros, los Daddies comenzaron a tocar programas selectos denominados "Los papás de Cherry Poppin 'Salute the Music of the Rat Pack", tocando una mezcla equitativa de las propias canciones de swing de la banda, así como versiones de canciones popularizadas por el "Rat Pack" de Frank Sinatra. , Dean Martin y Sammy Davis, Jr. [104] En una entrevista de julio de 2013 con Cartelera revista, Perry reveló que la banda había grabado simultáneamente un álbum tributo con estas canciones y lo lanzaría después de una gira detrás de Dientes blancos, pensamientos negros. [99] Por favor, regrese la noche: ¡los papás de Cherry Poppin 'saludan a la música de la manada de ratas! fue lanzado el 29 de julio de 2014, promovido por videos musicales para las portadas del álbum de los clásicos de Sinatra "Come Fly with Me" y "Fly Me to the Moon". [105] [106]

En diciembre siguiente, Perry expresó sus planes en la página oficial de Facebook de los Daddies para explorar más a fondo las influencias del swing y el jazz de la banda con otro álbum de versiones, esta vez centrado en el hot jazz de la era del Cotton Club de las décadas de 1920 y 1930. [107] Producción sobre lo que eventualmente se titularía El Boop-A-Doo comenzó en la primavera de 2015 en Eugene, utilizando técnicas de grabación antiguas, así como el uso de instrumentos anteriores a la década de 1940 para lograr un sonido auténtico de la era del jazz. [108] [109] El Boop-A-Doo fue lanzado el 22 de enero de 2016, promovido por un video musical de la canción de 1930 de Eubie Blake / Andy Razaf "That Lindy Hop", dirigida por Perry. [110]

Inicialmente, los papás anunciaron que Por favor devuelva la tarde y El Boop-A-Doo comprendería dos partes de una trilogía planificada de álbumes de versiones diseñados para mostrar las influencias del swing y el jazz de la banda. [111] Aunque Perry reveló en una entrevista de noviembre de 2016 que el tercer volumen de versiones de los Daddies se centraría en el swing occidental o en un bebop al estilo de Babs Gonzales / "beatnik", a partir de marzo de 2019, no ha habido más actualizaciones sobre el estado de este álbum. [112]

Durante este período, Perry también se ocupó de la tarea de remezclar y remasterizar la canción de Daddies. Zoot Suit Riot recopilación, habiendo vuelto a obtener los derechos de Jive Records en 2014. Hablando sobre el proyecto, lamentó que la producción de Zoot Suit Riot había sido apresurado y que solo se habían utilizado las primeras tomas, señalando que podría haber habido "2 o 3 más" tomas de las canciones "si hubiéramos conocido el futuro en 1996", señalando "después de 25 años [de la banda] , Me gustaría que el disco suene un poco mejor ". [113] [114] [115] Zoot Suit Riot: La edición del vigésimo aniversario fue lanzado en CD y vinilo el 13 de enero de 2017, con cinco pistas extra en vivo grabadas durante las giras de 1998 de la banda. En promoción del relanzamiento del álbum, los Daddies tocaron en fechas seleccionadas en todo el país, interpretando el álbum en su totalidad.

Vida más grande (2019-presente) Editar

Mientras que los papás dedicaron la mayor parte de la década de 2010 a tocar y grabar música swing y jazz, Perry reveló por primera vez en una entrevista de 2014 con El Huffington Post que había comenzado a escribir nuevas canciones no swing para el próximo álbum original de Daddies, describiendo sus ambiciones de hacer un "psychobilly / Zappa /idiota americano/ R. Disco tipo crumb que pinta una imagen de la escena sociopolítica estadounidense ", enfatizando su deseo de experimentar con el rockabilly y el roots rock. [106] Durante los siguientes cuatro años, Perry brindó actualizaciones esporádicas en Twitter y en entrevistas sobre el desarrollo de este nuevo álbum de originales, describiéndolo en 2016 como "un poco como Apedreado ferozmente 2", con un énfasis principal en el rock y el funk, y luego en 2017 como" swing-ska-rockabilly-psychobilly ". [116] [117] La ​​producción del álbum comenzó a fines de 2017, y el 8 de mayo de 2018, Perry anunció en Twitter que el proceso de mezcla había comenzado en el producto terminado, ahora titulado Vida más grande. [118]

El 12 de marzo de 2019, The Daddies estrenó el primer sencillo y video musical de Vida más grande en su canal de YouTube, una canción de ska punk titulada "Gym Rat", seguida más tarde de dos sencillos y videos musicales adicionales para las canciones "Diesel PunX", una canción de estilo rockabilly influenciada por el subgénero de ciencia ficción de dieselpunk, y la "Yankee Pride" de influencia celta punk / folk punk. Vida más grande fue lanzado en CD y vinilo el 14 de junio, que se celebró con un espectáculo en W.O.W. de Eugene. Hall el mismo día, donde los Daddies debutaron con un nuevo espectáculo escénico centrado exclusivamente en el repertorio de canciones ska y ska-punk de la banda, un conjunto que continuaron actuando en espectáculos y festivales selectos, incluido el Victoria Ska Fest 2019. Se había programado que los Daddies actuaran como parte del Supernova International Ska Festival ubicado en Virginia en junio de 2020, aunque el festival finalmente se canceló debido a la pandemia de COVID-19.

El 31 de enero de 2020, los papás lanzaron el sencillo independiente "Faux Nice, Mock Fancy", una canción de estilo glam rock grabada durante la Vida más grande sesiones. En una publicación de Facebook que anunciaba el sencillo, Perry detalló que planeaba lanzar varias canciones inéditas como sencillos a lo largo del año mientras comenzaba a trabajar en nuevo material. [119] Esto comenzó con el lanzamiento del sencillo y el video de "Platform Shoes", otra canción de estilo glam rock de la edición de lujo de Dientes blancos, pensamientos negros, a mediados de marzo y una versión del éxito de 1980 de la banda de rock canadiense The Kings "Switchin 'to Glide" a mediados de mayo.

Los Daddies generalmente se clasifican como una banda de swing y / o ska por los medios de comunicación, y su música se compone en gran parte de varias interpretaciones de ambos géneros, que van desde el jazz tradicional y las formas influenciadas por las grandes bandas hasta las fusiones de rock y punk modernizados. Durante su avance comercial en la década de 1990, los críticos concibieron términos como "punk swing", [120] "power swing" [29] y "big band punk rock" [121] para describir el enfoque único de los Daddies para estas fusiones, mezclando "La propulsión de ritmos swing y ráfagas de metales con golpes de conejo con sucias guitarras de rock rebelde para darle al sonido jumpin 'jive un lavado de cara muy necesario". [122] El Pacífico Noroeste Inlander escribió sobre este estilo en 1994, "sobre el swing del jazz de la banda se pueden escuchar cepas de Parliament-Funkadelic, migajas de rhythmhouse y blues de barril, fragmentos de ska y enormes bocanadas de punk rock en la cara", comparando el Los papás a "Cab Calloway-se encuentra-Johnny Rotten, o la Orquesta de Duke Ellington bombea con esteroides y cafeína". [7]

Los propios Daddies solían clasificar en broma su música como "swing-core", [123] ejemplificado por los tempos rápidos y el uso frecuente de la distorsión de la guitarra en su material swing, así como el "swing de tercera onda", debido a su prominente influencia ska. . [6] [55] [124] [125] En los últimos años, sin embargo, Perry ha rechazado los intentos de aplicar etiquetas a la música de los Daddies, a menudo describiéndolos casualmente en términos más vagos como "una banda de rock con cuernos" o "un baile banda que usa un poco el jazz ". [22] [126] Perry ha comparado el estilo de eclecticismo musical de los papás con el de Fishbone, Mink DeVille y Oingo Boingo, al tiempo que cita una gran influencia de The Specials y Roxy Music, así como de Fletcher Henderson, Jimmie Lunceford y Duke. Ellington sobre su composición y arreglos. [8] [33] [127] [128] [129]

Junto a las constantes del swing, el ska y, en grabaciones anteriores, el funk, cada uno de los álbumes de estudio de los Daddies presenta una variedad colectiva de géneros musicales variados y, a menudo, diametralmente opuestos. Algunos de los estilos musicales con los que ha experimentado la banda incluyen blues, [7] country, [8] disco, [130] Dixieland, [58] flamenco, [85] folk, [70] glam rock, [69] hardcore punk, [131] jump blues, [132] lounge, [29] pop psicodélico, [132] rhythm and blues, [69] reggae, [85] rockabilly, [71] soca, [87] soul, [69] western swing [ 133] y zydeco. [134] A diferencia de tocar fusiones, los Daddies interpretan cada género por separado, contrastando un estilo con otro para que la textura musical del álbum cambie continuamente. [135] Perry ha explicado que el "desvío" del grupo de usar géneros muy diferentes es tanto un medio para la experimentación y la evolución de la banda más allá de sus espectáculos en vivo típicamente orientados al swing y al ska, como una elección artística, dando a cada canción un carácter musical distintivo. personalidad y el uso de ciertos géneros para encajar efectivamente - o contradecir irónicamente - el tono de la letra. [10] [61] [136] [137]

Edición lírica

Steve Perry es el único letrista de los papás, y escribe la mayoría de sus canciones en un formato narrativo ficticio que él considera influenciado por Randy Newman, Ray Davies y Jarvis Cocker, a menudo contados sobre o a través de la perspectiva poco confiable de personajes oprimidos que luchan contra la adversidad. . [1] [7] [17] [138] Los temas recurrentes en las letras de los papás incluyen sexo, muerte, vida de clase trabajadora, conciencia de clase, alcoholismo, disfunción familiar, soledad y alienación social, utilizando con frecuencia el humor y la sátira. [17] [19] [38] Perry a menudo incorpora comentarios sobre la política estadounidense contemporánea en su música, como abordar cuestiones relacionadas con la crisis financiera de 2007-2008 en 2013 Dientes blancos, pensamientos negros y explorar temas de raza y clase durante la administración de Donald Trump en 2019 Vida más grande. [100] [139] [140] The Register-Guard ha descrito la letra de Perry como "obscena [y] a menudo desesperada", "[sondeando] la parte más vulnerable de la sociedad, apuñalando a opresores como. la presión para conformarse", [2] mientras Los New York Times los ha elogiado como "poesía vívida" que contiene "una inventiva que falta en la mayoría de las letras de las otras bandas de swing". [141]

Los Daddies han sido criticados a menudo por su aparente yuxtaposición de temas espeluznantes y blasfemias con el jazz y la música swing, [142] [143] aunque Perry ha defendido la predilección de la banda por el lirismo y las imágenes "más oscuras", llamando la atención sobre su interés en la música. el cine negro de la era y los movimientos artísticos de vanguardia. [144] Un ejemplo destacado de esto incluye los dos videos musicales del exitoso sencillo de los papás "Zoot Suit Riot", que - además de estar escritos sobre los disturbios raciales de 1943 - ambos presentaban imágenes surrealistas omnipresentes inspiradas en las películas de Luis Buñuel. , específicamente su corto de 1929 Un Chien Andalou. [144] [145] "Queríamos ser más oscuros, más raros y más extraños", declaró Perry en una entrevista de 2012, "y desafortunadamente, con otras bandas [de swing] era 'En ese entonces todos vestían bien y eran agradables'. Eso no es cierto. No sabes nada de esa época ". [144]

La mayoría de los álbumes de estudio de los Daddies están escritos en diversos grados como álbumes conceptuales, con temas líricos recurrentes o una narrativa abstracta. Según Perry, esta interconexión lírica está destinada a proporcionar un álbum con hilos de estabilidad temática frente a estilos musicales que varían enormemente. [10] [146]

En su Oregon natal, los Daddies han sido llamados "una institución del Noroeste", [147] habiendo sido incluidos en el Salón de la Fama de la Música de Oregon en 2009. [148] The Register-Guard ha acreditado a la banda con la formación de la cultura musical alternativa de Eugene en la década de 1990, mientras que Eugene semanal agregó igualmente, "cuando algunas personas piensan en la escena musical del Noroeste, piensan en el grunge. Sin embargo, si eres un Eugenean, podrías pensar en el swing, gracias a [los] Cherry Poppin 'Daddies". [149] [150] Seattle El cohete comentó sobre la influencia de la banda en 1997, afirmando que "[t] los papás estaban rompiendo el swing antes de los Squirrel Nut Zippers, revolviendo cócteles antes de Combustible Edison y patinando ska antes de Sublime. la banda sacude una increíble variedad de sonidos con un brío incomparable y pulir ". [1]

Junto con las controversias que rodearon los primeros años de su carrera, la banda también ha atraído una buena cantidad de críticas profesionales en su estado natal. El Portland Mercury han sido detractores frecuentes de los Daddies, ridiculizándolos como "en el mejor de los casos, un reciclaje sin límites de un movimiento de moda musical bastante particular en el peor de los casos, una parodia consciente del género que pretenden amar", [151] mientras que el Semana de Willamette, en un artículo que detalla la recepción polarizadora de la banda, describió el consenso negativo de los Daddies como "una molesta banda de funk rock de chicos blancos que, al ver la oportunidad, aprovechó el renacimiento del swing por todo lo que valía". [147] El crítico de jazz y autor Scott Yanow criticó enérgicamente a la banda como la opción "chico de los azotes para el movimiento Retro Swing" en su libro de 2000. ¡Columpio!, describiéndolos como "una banda de punk rock que ha elegido hacerse pasar por Swing, al menos hasta que llegue una moda mejor", destacando la sección rítmica "mediocre" de los papás y el lirismo profano como un caso para convertirlos en "una banda para evitar". [142]

Los Daddies son más ampliamente reconocidos, sin embargo, como una de las primeras bandas en revivir la música swing en la corriente musical principal, ayudando a encabezar el renacimiento del swing de finales de la década de 1990 que allanó el camino para los grandes éxitos de Big Bad Voodoo Daddy y Brian Setzer. Orquesta. [3] [48] Aunque los Daddies han sido citados como una influencia en las bandas de ska punk como Mad Caddies y Spring Heeled Jack U.S.A., [152] [153] SF semanal una vez afirmó que el grupo "nunca ha recibido los elogios que se merece" por su ecléctico repertorio de funk-ska. [38] El Phoenix New Times expresó sentimientos similares, enumerando a los "lamentablemente olvidados" Daddies entre las bandas que definieron la "alternativa a la alternativa" del Noroeste, "[entregando] rock con más complejidad que los riffs de guitarra de tres acordes y la crítica social sin cinismo torpe". [29] [31] En un artículo retrospectivo de 2008 publicado en The Capri Lounge de RollingStone.com, un blog dirigido por los editores de Piedra rodante revista, los Daddies fueron declarados como "una de las bandas más incomprendidas de los noventa". [154]

Nombre de la banda Editar

—Steve Perry, comentando el nombre de los papás en 1998, Cartelera [11]

The Daddies también han conservado un reconocimiento más ignominioso por el nombre de su banda, que ha persistido más allá de las controversias iniciales que vincularon los primeros años de la banda. The Daddies aparecen con frecuencia en las listas de los peores nombres de bandas de todos los tiempos, incluidos los de Horca, los Seattle Post-Intelligencer, los Toronto Sun, y VH1, el último de los cuales lo llamó "posiblemente el nombre de banda más ofensivo de todos los tiempos, lo hizo aún más ridículo por el hecho de que estos sexistas vírgenes presumidos tenían un hit mainstream completamente inofensivo". [155] [156] [157] [158] Una edición de 2009 de Licuadora revista colocó a los papás en el tercer lugar en una tabla de paréntesis de los peores nombres de bandas, mientras que en 2013, Piedra rodante incluyó a los Daddies en su lista de "Los trece nombres de bandas más tontos en la historia del rock", señalando que la interpretación incestuosa del nombre es "lo último que alguien quiere visualizar mientras escucha música". [159] [160]

Steve Perry ha expresado ambivalencia sobre la controversia del nombre, admitiendo que es "probablemente el nombre más atroz en la historia del rock" [45], aunque también tratando de contextualizarlo dentro de las raíces de la banda en la escena punk rock del noroeste de la década de 1980: en una entrevista de 2020, Explicó que "es mucho más difícil entender el nombre ahora que la mentalidad contracultural se ha desvanecido, pero en ese momento, la idea era elegir un nombre de banda que atrajera a otros chicos del punk rock y mantuviera a otros a raya". [161] En una entrevista de 2000, detalló aún más el contraste entre el nombre de los Daddies y su inesperado avance en la corriente cultural más amplia, diciendo "La cultura pop no está tratando de ofender a nadie. No salimos de eso de donde venimos la oposición leal. Salimos del movimiento punk. ¿Cómo puedo negar eso? Comencé esta banda hace mucho tiempo, y solo usamos [el nombre]. No sabíamos que en 10 años nos convertiríamos en una especie de cosas felices, llenas de vida y que hacen sentir bien ". [45]

Aunque Perry ocasionalmente ha expresado su pesar por no haber cambiado el nombre de los papás al principio de su carrera, más recientemente ha llegado a abrazar la controversia en torno al nombre como su "sombrero rojo de caza Holden Caulfield, una insignia de honor", desestimando a los críticos que eligen demonizar el nombre basándose en una interpretación literal que la jerga jive de la era del jazz del que se basaba como "adictos a la indignación". [33] [162] [136]


POINTS NORTH: Elección de palabras de una banda instrumental

Points North (Kevin Aiello - Batería, Eric Barnett - Guitarra y Uriah Duffy - Bajo) han lanzado su segundo CD con excelentes críticas (incluida una aquí en Indie Pulse). Los describo como Rush se encuentra con Yes con Trevor Rabin se encuentra con The Police. Algo así como Prog-Rock melódico. Como sea que lo llames, yo lo llamo fantástico ... ¡incluso más cuando está EN VIVO!

Recientemente tuve la oportunidad de entrevistar a 2/3 de la banda. Creo que le resultará una lectura interesante.

Indie Pulse: La formación actual ha estado junta unos 5 años, ¿correcto? ¿Cómo se juntaron los tres?

Points North (Eric): Kevin y yo nos conocimos en línea, somos una historia de éxito de "craigslist". Me había mudado al Área de la Bahía desde la Costa Este y estaba buscando algo que hacer. Kevin había publicado un anuncio en línea buscando músicos para hacer música instrumental, en la línea de Steve Morse Band, Dixie Dregs, etc., y pensé sonaba interesante. De hecho, me perdí el anuncio; para cuando fui a responder, ¡había caducado! Así que escribí mi propio anuncio, buscando a la persona que había escrito ese anuncio, y él me encontró.

El bajista original de Points North era Damien Sisson, y Kevin ya lo había encontrado cuando nos conectamos, fuimos solos y grabamos un disco, que se convirtió en “Road Less Traveled”. Pero justo en el momento en que Magna Carta Records nos ofreció un contrato discográfico, Damien también recibió una oferta para unirse a las leyendas del thrash del Área de la Bahía, Death Angel. Death Angel luego emprendió lo que realmente equivalió a una gira mundial sin escalas de tres años. Así que por un tiempo, Damien todavía estuvo en la banda, pero hicimos varios shows con bajistas “de reemplazo”. Conocí a Uriah a través de un amigo en común y guitarrista asesino, Danny Jones, y fue nuestra primera llamada.Creo que nuestro primer show juntos fue en un pequeño lugar ahora desaparecido llamado Time Out en Concord, CA, y sinceramente, se sintió como si magia. (Cuando Uriah no estaba disponible, nuestro otro "reemplazo" fue Stu Hamm, de la fama de Joe Satriani, ¡todas las estrellas de rock en Points North son los bajistas!)

Finalmente, quedó claro que las demandas de Death Angel no iban a dejar mucho tiempo para que Damien estuviera en Points North, nos separamos de él y le pedimos a Uriah que se uniera a la banda a tiempo completo. Para mi absoluta alegría delirante, aceptó que terminamos regrabando las partes de bajo para el video de “High Wire”, el video “single” del primer disco “Road Less Traveled”, y hemos estado juntos como banda. desde entonces, incluida la escritura, grabación y lanzamiento de nuestro segundo disco homónimo de la Carta Magna en 2015.

IP: ¿Por qué instrumentales? ¿Es literalmente un caso de & # 8220 dejar que la música hable ”?

PN (Kevin): Esta fue realmente mi idea. Estuve tocando en bandas de covers durante mucho tiempo y quería hacer algo diferente. Siempre fui un gran admirador de la música instrumental, especialmente el material en solitario de Dixie Dregs y Ronnie Montrose, que quería encontrar músicos que me patearan el trasero ... mmm, ten cuidado con lo que deseas, ¡porque lo tengo!

IP: ¿Cómo se unen las canciones de Points North? ¿Es un atasco o alguien entra con una demostración completa o algo intermedio?

PN (Kevin): Un poco de cada uno, aunque sobre todo interferencias. Por lo general, Eric o Uriah vendrán con alguna idea de riff y lo improvisaremos un poco y veremos a dónde va. A veces, la melodía se escribe sola, otras veces simplemente se queda ahí. Tenemos alrededor de 5 nuevas ideas trabajando en este momento, pero nada completo.

IP: ¿Cómo se te ocurren los títulos? ¿Por qué pregunto esto? Dos palabras & # 8230 ¡Killer Pounder!

PN (Eric): Esa es una de las partes más difíciles ... a veces una canción viene con un título, pero a veces cuesta encontrar uno. Muchas veces, tenemos títulos que "funcionan" o que creemos que son divertidos. Killer Pounder fue un ejemplo de eso ... ese era el "título provisional", nos hizo reír, creo que a Kevin se le ocurrió ... y en ese caso, se quedó.Pero “Ignition” solía llamarse “Lobotomy”, en “honor” a la condición en la que se encontraba Uriah cuando se presentó para el ensayo con el riff de apertura después de una noche anterior particularmente de estrella de rock.

IP: ¿Utiliza alguna técnica & # 8220 no convencional & # 8221 en el estudio?

PN (Eric): Bueno, está esta canción, "Rocket Queen", y había una chica en el estudio ... es broma. Creo que somos relativamente tradicionales en términos de cómo grabamos. Intentamos grabar nuestras "pistas básicas" en vivo, para obtener el mismo tipo de sentimiento y energía que tenemos en nuestros shows en vivo, en lugar de rastrear todo por separado en una "cuadrícula", que es algo común hoy en día. Y tratamos de limitar la cantidad de "trucos de estudio" a favor de las actuaciones que realmente nos gustan. Pero no somos tímidos a la hora de utilizar equipos y técnicas de grabación modernas.

IP: Hay una pista vocal en su último lanzamiento, Points North llamada Colorblind. ¿Hay más pistas vocales en tu futuro?

PN (Eric): Difícil de decir. “Colorblind” fue la última canción que hicimos en el nuevo disco, y surgió de una solicitud de nuestro sello para intentar crear algo con un “elemento vocal”. Con lo que terminamos estaba más cerca de una canción más tradicional, aunque fuera un 75% instrumental. Personalmente, desearía que hubiéramos tenido un poco más de tiempo con él, básicamente fue escrito y grabado durante un fin de semana, pero creo que estamos orgullosos de él, por lo que es. Veremos, cuando lleguemos a escribir el próximo disco, cómo nos sentimos al intentar algo así de nuevo.

IP: La química entre ustedes tres en el escenario, junto con su pasión por la música, hacen de sus shows en vivo un evento que no debe perderse. Si estuviera en el estudio contigo mientras grabo, ¿qué tipo de & # 8220química & # 8221 vería allí?

PN (Kevin): Algunos días simplemente repasamos las melodías. Algunos días pensamos en nuevas ideas. . ¡Algunos días tocamos "stump the band" tratando de tocar melodías de Rush que no conocemos! Cuando hay gente sentada en un ensayo, ese ensayo tiende a convertirse en una actuación, si sabes a qué me refiero.

PN (Eric): Creo que es más o menos lo mismo, cuando jugamos todos juntos. Cuando Uriah y yo estamos sobregrabando, es un poco diferente ... hablando solo por mí, tiendo a volverme un poco locos a mí y a los ingenieros buscando la toma perfecta, para que suene como lo que escucho en mi cabeza. Pero la mayor parte del tiempo también lo pasamos bien en el estudio, y esperamos que eso se refleje en el disco.

IP: Sé que sus canciones son sus & # 8220children & # 8221, pero ¿tiene una canción en el nuevo CD que sea su favorita? ¿Por qué?

PN (Eric): Eso ha cambiado, para mí, desde que salió el disco. En este momento, es "Rites of Passage", pero hay varios en el nuevo disco de los que estoy realmente orgulloso.

PN (Kevin): Primero, tengo que decir que me gusta tocar todas las melodías del nuevo CD, especialmente Ignition y Turning Point. Mi melodía favorita para tocar es Rites Of Passage. Realmente soy más un baterista de groove en el fondo y Rites es básicamente todo en 5/4 con las secciones de coros en 6/4. Me encanta tocar esa sensación de medio tiempo en 5/4. Es un desafío porque el papel de Uriah es muy complicado de jugar al igual que el de Eric, por lo que mi enfoque es hacer que el medio tiempo se sienta agradable y consistente para ellos. No quiero que tengan que preocuparse por perder la sensación o su lugar.

IP: ¿Quién es tu mayor influencia musical y por qué?

PN (Eric): Como banda, diría que nuestra influencia más común es la banda de rock progresivo Rush, y sé que eso se nota en nuestra música. Para mí, personalmente, la otra persona que realmente influye en mi trabajo en Points North es Eric Johnson, quien fue el primer guitarrista para mí que realmente me hizo contemplar cómo la guitarra podría ser la “voz” de la banda. Hay tantos otros grandes guitarristas instrumentales, y todos fueron influencias también: Satriani, Vai, Steve Morse, Tony MacAlpine, muchos otros grandes guitarristas. Pero para mí, Eric Johnson fue el que me inspiró a hacer canciones instrumentales, y esa inspiración continúa haciéndolo hasta el día de hoy.

PN (Kevin): Los dos tipos que probablemente más me influyen son Aynsley Dunbar de los viejos tiempos de Journey y Rod Morgenstein de los Dregs. Sin embargo, últimamente me ha influido Gavin Harrison de Porcupine Tree. Él es para mí, uno de los bateristas más musicales que existen. Siempre estoy practicando algunas de sus ideas y conceptos.

IP: ¿Qué banda / artista se sorprendería a la mayoría de tus fans de saber que escuchas?

PN (Eric): Todavía soy un fanático de la radio terrestre ... cuando estoy conduciendo, sigo girando el dial de la radio para ver qué es popular, actual, y soy un fanático de un buen gancho pop.

PN (Kevin): ¡Probablemente nada! No escucho mucho metal. Cualquier cosa, desde el viejo BOC y mi favorito de todos los tiempos, Camel, y últimamente he estado escuchando un par de álbumes en solitario de Ian Hunter (Mott The Hoople), Porcupine Tree y Rush también.

IP: Recientemente agregaste teclados a tu show en vivo a través de Uriah. Me gustó la adición. ¿Cómo fue desde tu perspectiva?

PN (Eric): Eso surgió al tocar en “Fred Barchetta”, que es un set tributo a Rush que tocamos con la adición de un cantante. Hay claves en ambos discos, y realmente ha sido un placer que algunos de ellos aparezcan en nuestro show en vivo, realmente "llena las cosas" en algunas canciones, y Uriah hizo un trabajo increíble al juntarlo todo.

IP: De pie entre el público, parece que se están divirtiendo mucho en el escenario. ¿Qué tan divertido es? He estado en varios espectáculos en los que recibiste una ovación de pie después de tu presentación. ¿Qué tan gratificante es ver ese tipo de aprecio por parte de su audiencia?

PN (Kevin): Seguro que a los tres nos encanta tocar en directo. Cuando recibimos la retroalimentación de la audiencia, lo hacemos muy especial. Puedo decirte que independientemente de la situación, jugando frente a 500 o 20, siempre damos lo mejor de nosotros. Eric y Uriah realmente han mejorado su juego de presencia en el escenario, lo que creo que nos distingue un poco. No se limitan a quedarse ahí mirando sus instrumentos y tocar. Les gusta interactuar de esa manera "rockstar". Ya no ves a muchas bandas hacer eso.

PN (Eric): Es por eso que hacemos esto: somos una banda en vivo, ante todo, y son esas reacciones y la naturaleza apasionada de nuestra audiencia lo que nos hace volver por más, especialmente en un clima de negocios musical que no es No es muy amigable con las bandas y los artistas desde una perspectiva financiera y profesional. Entonces, muchas gracias a todos los que nos apoyaron, que nos brindaron sus comentarios tanto en el escenario como fuera de él, ¡y gracias por pedirnos que hagamos esta entrevista!



El amor entra

Por Margaret Moser, viernes 24 de noviembre de 2000

"Rock-rock-rock-rock, Conferencia Rockrgrl"

Esas letras reescritas de "Rock 'N' Roll High School" habían sido mi mantra durante días, así que caminar hacia la puerta del aeropuerto de Bergstrom y escuchar una voz que gritaba: "¡Oye, vas a Rockrgrl!" era música para mis oídos. Sí, iba a la Conferencia de Música Rockrgrl en Seattle, al igual que las chicas de la casa de música y café de Manor Road, Gaby & Mo's, que me saludaron. Fue una buena señal.

La manía de las conferencias infectó a las corporaciones en los noventa y fue una epidemia en la industria de la música como una erupción. La mayoría de ellos fueron eventos de una o dos veces demasiado específicos o limitados regionalmente para tener éxito. South by Southwest y CMJ estuvieron entre los más exitosos, obteniendo una ventaja a finales de los ochenta durante la desaparición de la madre de todas las conferencias de música, el New Music Seminar en Nueva York.

NMS definió la fórmula para las conferencias cuando comenzó en 1980: deslumbrarlos por la noche con una variedad diversa de música en tantos clubes como sea posible, con la promesa de que las discográficas estarán merodeando por nuevos talentos, y luego educarlos durante el día en una serie de paneles de salas de conferencias de hoteles que abordan su nicho particular en la industria de la música. No se olvide de la gran bolsa de regalos para todos los inscritos.

Desde entonces, cada conferencia se ha esforzado por lograr una amplia gama de nombres, géneros y razas tanto en su menú musical como en los panelistas de la conferencia. No es que necesariamente haya tokenismo. Simplemente no es paridad tener una mujer y un negro en un panel de cuatro o cinco para representar el género y la raza si esos números no se reflejan en la industria. La mayoría de los paneles probablemente deberían ser todos hombres blancos, latinos o lo que sea. Eso reflejaría con mayor precisión la forma en que funciona la industria y luego justificaría paneles exclusivamente femeninos como publicidad o reserva, donde tantas mujeres ponen sus tacones altos en la puerta.

Los paneles exclusivamente femeninos rara vez tienen algún encanto para mí, y he estado en algunos. Mientras aparecía en periódicos clandestinos, fanzines y semanarios alternativos, la mayoría de mis compañeros periodistas llegaron al campo con títulos universitarios y consiguieron trabajos en Los New York Times, Newsweeky RollingStone.com. Sus descripciones del sexismo en el negocio me resultaron inicialmente ajenas. Hablan de riot grrrls y Courtney Love, pero ¿qué pasa con Florence Greenburg, Estelle Axton y Barbara Lynn? El punto no era que existiera disparidad, sino cuánto diálogo permaneció tácito.

Luego están las mujeres representantes de A&R, publicistas y gerentes. Los programadores de radio, los deejays, los agentes, los directores de clubes, los compositores, los músicos, los cantantes, los técnicos. Las mujeres están representadas en una cantidad asombrosa de áreas, pero no importa cuál sea el tema, los paneles de mujeres generalmente terminan sonándome como sesiones de putas en el baño después de la clase de gimnasia.

No más tendencias

Residente de Mercer Island en Seattle, rockera, periodista y madre, Carla DeSantis notó hace mucho tiempo esta falta de diálogo. Oh, seguro, habría alguna que otra Piedra rodante sobre Patti Smith o un video sensual de PJ Harvey en MTV, pero las brechas no se cerrarán con los especiales de VH1 sobre "mujeres en la música". DeSantis quería ver un foro impreso que no acusara ni señalara con el dedo, sino que simplemente hablara con músicas que eran mujeres. Entonces ella comenzó a fotocopiar y engrapar juntos Rockrgrl revista.

Seis años después, DeSantis ha visto crecer su sueño de hacer bricolaje hasta convertirse en una publicación elegante y a todo color que se apega a su filosofía original de "sin consejos de belleza ni viajes de culpa", y presenta rostros desde Yoko Ono hasta Kathleen Hanna. Está cansada de que "mujeres en la música" sea un tema, cansada de las declaraciones del "año de la mujer" y cansada de muy pocos paneles dedicados a los problemas y necesidades exclusivos de las mujeres músicas. Quería una conferencia que fomentara el diálogo existente.

Louis Jay Meyers, cofundador y ex director de South by Southwest, había hablado con DeSantis durante el simposio LMNOP de Nueva Orleans en 1999. Los paneles de ese año presentaban un fuerte enfoque en las mujeres en el rock. El deseo de DeSantis se encontró con el conocimiento de la conferencia de Meyers como un matrimonio arreglado, y nació la primera Conferencia de Música Rockrgrl.

Con 550 RMC inscritos y 250 bandas e intérpretes tocando en el festival de música, el número de asistentes asciende a casi 2.000. Se registraron suficientes hombres para tener presencia, pero es como ir a Lilith Fair después de estar en media docena de Lollapaloozas.

El panel introductorio del jueves "Todo lo que quería saber sobre el negocio de la música pero tenía miedo de preguntar" ofrece a los madrugadores la oportunidad de establecer contactos antes de ir a las presentaciones de esa noche. La cena de Women of Valor en honor a Ann y Nancy Wilson se agota rápidamente, dejando a algunos forasteros decepcionados, pero Ann Wilson actúa esa noche, al igual que Wanda Jackson, Austin's Slum City y Lisa Tingle, la vocalista de jazz de Nueva York Arlee Leonard. y varias docenas más.

Habla habla

El discurso de apertura de Spector el viernes al mediodía recibe un aplauso atronador a pesar de que Spector pierde su lugar en sus notas a menudo, improvisa algunas líneas de canciones e incluso rompe a llorar en un momento. Su voz grave relata las historias a menudo contadas de haber sido manipulada y prácticamente encarcelada por Spector, ignorada y sin acreditar por sus contribuciones.

"Recientemente grabé otra canción", dice. "Se llama 'Nunca seré tu bebé'".

Spector establece un buen tono para la conferencia, porque es lo suficientemente mayor para tener algo que decir y lo suficientemente genial como para que quieras escuchar. Con el factor edad como tema del panel ("Edadismo: este tema está envejeciendo"), la sabiduría de Spector abre el camino para otras mujeres cuyos días de juventud se sientan enmarcados en el manto. Gretchen Christopher, del grupo de pop Pacific Northwest The Fleetwoods, habla sobre los rigores de las giras en 1961, cuando sus pedidos entre bastidores de un espejo de cuerpo entero y una toma de corriente para su rizador se consideraron excesivos.

Otros paneles como "Mami, ¿tenemos que ir de gira?" "Stalkers: When Fans Get Too Close" y "Fishnets to Internet: Online Marketing Strategy" dan en el blanco de temas importantes para las mujeres músicas. Home Alive, un grupo de autodefensa y conciencia formado después de la violación y asesinato de Mia Zapata de los Gits, ofrece un "Taller de autodefensa". Normalmente, no todo el mundo está contento.

Rebecca Cannon de Austin (ex-Sincola) fue aceptada en la conferencia como intérprete, pero rechazó la invitación porque estaba programada para actuar en Starbucks. Un revisor de Rockrgrl, Cannon se queja "se sintió como una bofetada en la cara, como jugar McDonald's o Wal-Mart".

¿Podría haberse sentido como en casa tocando en otro lugar como Experience Music Project, el santuario multimillonario del rock & roll del cofundador de Microsoft Paul Allen? Probablemente sea demasiado caro para los Jimi Hendrixes en ciernes del mundo, pero ofrece recuerdos invaluables. Mejor aún, Cannon debería llamar a DeSantis y pedir hacer un panel el próximo año sobre el rock del imperio corporativo.

El amor está en todas partes

El panel de composición ofrece observaciones de Ann Wilson, Eliza Gilkyson, la moderadora Sue Ennis de Lovemongers y una refrescante y brillante Jill Sobule, que probablemente desearía no haber grabado "I Kissed a Girl". Los paneles sobre Lilith Fair y "Eludir el problema: todo sobre la imagen" continúan la pista de temas específicos de mujeres y aumentan los paneles de información general sobre demostraciones, problemas de etiquetas y talleres técnicos. Incluso el rumor del panel de Woodstock y Groupies (que yo moderé) no puede competir con la inminente llegada de Courtney Love.

"Sí, Courtney", suspira DeSantis. "No, Courtney."

Sentada en un escritorio mientras Love enumera las demandas de su apariencia, la cabeza Rockrgrl sostiene el teléfono celular lejos de su oído para lograr un efecto dramático. Todavía se puede escuchar el tono estridente de Courtney, incluso entre la multitud de la conferencia. Una vez que termina la conversación, DeSantis aprieta la mandíbula lacónicamente.

"Sin cámaras, sin grabadoras", dice.

"Courtney estará bien, Carla", dice el escritor y veterano de la industria musical. "Kathleen Hanna no está aquí".

Carla se ríe y se pone en marcha para organizar la seguridad de la puerta lateral de entrada de Love al hotel y al salón de baile. Ya más de 300 asistentes a RMC se han alineado en el pasillo hasta el salón de baile. A medida que se alcanza la capacidad máxima y se cierran las puertas, las varias docenas de mujeres que quedan afuera se escuchan un grito: "¡Exigimos! ¡Pararse! ¡Dejen entrar a las Rocker Girls!" El cántico continúa unos momentos antes de que Louis Meyers se apresure a dejar entrar a los grrrls.

Una ráfaga de aire frío de la noche entra mientras Courtney es conducida a través de una entrada lateral al salón de baile de la SRO. Con un aspecto decididamente poco glamoroso, pero actuando de manera muy profesional, ignora las preguntas solicitadas y comienza conversaciones individuales con varios miembros de la audiencia.

“Necesitamos apoyarnos mutuamente. Sé que es difícil. Sé que hay estrógeno. Sé que nos odiamos: 'Ella es una vendida'. Ella es aburrida. 'Ella es jazz' ", dice Love.

Love nunca practica lo que predica, llama a Britney Spears "una muñeca Barbie" y se refiere a Jimmy Iovine de Interscope como un "pequeño troll" antes de confesar con humor que es un adicto a la heroína.

"No sé cuántos de ustedes lo sabían", afirma con total naturalidad, "pero es cierto".

Love es abucheada cuando habla de Fred Durst de Limp Bizkit.

"Me llamó y me preguntó cómo respetar a las mujeres", relata. "Le dije, 'Fred, para empezar, ¿dar una fiesta en la Mansión Playboy? No es una buena idea'".

No se equivoquen, la apariencia de Love era importante. El conocimiento colectivo de Ronnie Spector, Amy Ray, la baterista de Kid Rock Stefanie Eulinberg, Ann y Nancy Wilson, y todos los demás palidecieron junto al poder de las estrellas de Love. Cada conferencia necesita un nombre, un timbre, una voz que capture el propósito espiritual de la reunión y lo personifique. Eso es lo que hizo la apariencia de Courtney Love. Era alegre, divertida y, a veces, fatua. Ella era inteligente, astuta y elocuente. Ella conoce el valor de su nombre y lo usó para una causa noble.

A las mujeres les encanta hablar. Hacemos. Probablemente sea biológico, ya que parte del acto físico de la crianza es tanto el sonido como el tacto. Lo que es más importante, sin embargo, es que las conversaciones sobre las mujeres en la música ahora se están abordando en un foro apropiado y enfocado. Y la próxima vez que se aborden estos temas en SXSW, CMJ o en cualquier otro lugar, se citará a RMC 2000 por su trabajo preliminar al reunir esos temas. Si hay algo que a las mujeres músicas les gusta hacer más que tocar música, es hablar de tocar música.

El diálogo debe continuar.

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